宋朝的人们是怎么生活的（宋朝人的雅致生活是什么样的）
宋朝的人们是怎么生活的（宋朝人的雅致生活是什么样的）宋代借三百年昌运盛世，文人雅士烟云供养，或隐居山林，或旷游自然，将对自然的感悟融入禅意生活和文学创作之中。宋 | 诗词歌赋「穠芳依翠萼，焕烂一庭中，零露霑如醉，残霞照似融。丹青难下笔，造化独留功，舞蝶迷香径，翩翩逐晚风」。不由令人感叹，一个帝王竟对美有着如此细腻的体悟。宋历代君王都崇尚「文治」。成熟的哲学思想，赋予宋代美学以强烈的人文精神，和至纯至雅的独特风貌，成就了中国传统审美的文化之源。下面就从形而上的诗词歌赋、山水书法，过渡到形而下的器具用度、生活四艺，带你真正领略宋代领先千年的极致审美和雅致生活。
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「宋代」已不再只是朝代的名称
而演变成艺术史中一个独特的美学符号
宋朝对美的感受和追求是自上而下的，宋徽宗就曾亲自编撰《宣和书谱》和《宣和画谱》，完整整理前世收藏的书法和绘画。
「穠芳依翠萼，焕烂一庭中，零露霑如醉，残霞照似融。丹青难下笔，造化独留功，舞蝶迷香径，翩翩逐晚风」。不由令人感叹，一个帝王竟对美有着如此细腻的体悟。
宋历代君王都崇尚「文治」。成熟的哲学思想，赋予宋代美学以强烈的人文精神，和至纯至雅的独特风貌，成就了中国传统审美的文化之源。
下面就从形而上的诗词歌赋、山水书法，过渡到形而下的器具用度、生活四艺，带你真正领略宋代领先千年的极致审美和雅致生活。
宋 | 诗词歌赋
宋代借三百年昌运盛世，文人雅士烟云供养，或隐居山林，或旷游自然，将对自然的感悟融入禅意生活和文学创作之中。
宋词无疑是极美的：
既有「三秋桂子十里荷花」的西湖胜景；也有「宝马雕车香满路」的城市繁华。既有「红酥手，黄滕酒」的甜蜜；也有「明月夜，短松冈」的悲伤。
既有「无可奈何花落去」的惆怅；也有「一蓑烟雨任平生」的旷达。可以「一种相思，两处闲愁」，更可以「金戈铁马，气吞万里如虎」。
宋词也有极慷慨豪迈、苍凉悲怆的一面，如贺铸《六州歌头》：
少年侠气，交结五都雄。肝胆洞。毛发耸。立谈中。死生同。一诺千金重。推翘勇。矜豪纵。轻盖拥。联飞鞚。斗城东。轰饮酒垆，春色浮寒瓮。吸海垂虹。闲呼鹰嗾犬，白羽摘雕弓。狡穴俄空。乐匆匆。
似黄粱梦。辞丹凤。明月共。漾孤篷。官冗從。怀倥偬。落尘笼。簿书丛。鹖弁如云众。供粗用。忽奇功。笳鼓动。渔阳弄。思悲翁。不请长缨，系取天骄种。剑吼西风。恨登山临水，手寄七弦桐。目送归鸿。
如果说唐代鼎盛的背景下，诗歌充满了青春、自由而欢乐的氛围。那么及至两宋，时代精神不在于建功立业，而在于现世人生，不强调世间万物，独在意个人心境，清雅的宋词随之兴盛。
最早的词是文人写给歌伎传唱的曲子，后来就形成长短不齐的固定句式，对景物进行细致的描述，表达复杂的心境。
王国维在《人间词话》中言：「词以境界为最上」。
境界是什么？就是真景物和真感情。很多流传千古的好词，都是借助其它事物，委婉含蓄地传递情感，体现了某种胸怀和心境。
例如诗人韦庄，擅借美人来表达情感，通过写美人思离别，以此来哀悼唐朝的灭亡。
辛弃疾则好用历史典故来表达个人志向。比如，不直白地说要收复失地，而是十分巧妙地用「举头西北浮云，倚天万里须长剑」这样的词句表达。
无论是盛唐之音，还是宋词之意，其实都是在传递一种胸怀、思想和心境。这正体现了李泽厚所言：「美是有意味的形式」。
如果说，境界的高低决定了词的格调，那么从唐诗到宋词审美趣味的变化，就可见时代背景在诗词歌赋上的烙印。
一生之中，少年才气发扬，遂为唐体；晚节思虑深沉，乃染宋调。宋词，作为文学的一大巅峰，大大拓宽了情感表达的分辨率。
宋 | 山水画卷
真正让中国传统绘画大放异彩，走向成熟并影响至今的辉煌时代，当属两宋。宫廷美术全盛，画院规模齐备，名家层出不穷，艺术思潮活跃，作绘画品精湛。
从唐到宋美学发生质变。唐代绘画偏重人物，宋代则偏爱山水。唐酷爱大红青绿的鲜艳之色，宋则偏好黑白水墨的淡雅之姿。
宋朝绘画不仅仅是追求技术，更追求画中意境。少了矫饰之气，多了份自然平和。
这个时期山水画最大的发展是：哲学影响了山水画的技法。宋朝的哲学非常重视「格物」—— 认真仔细地观察事物，找出构成事物的道理。
「格物」精神运用于绘画，就是对于自然山川：岩石的质地、水流的波纹和树叶的季节等都研究的极为认真细致。
如北宋范宽的《溪山旅行图》，瀑布水流从高处激流而下，而下方却只是茫茫水汽，身临其境之感扑面而来。
再比如南宋马远的《水图卷》，用十二幅画，来描绘不同水在不同地点、不同季节的表现，这都是格物的精神。
北宋初期秉承五代以来「大山大水」，无论高山林木还是江河湖海，都十分注重气势，或峰峦浑厚、势状雄强的「高远深山」，或烟林清旷、气象萧疏的「平远寒林」。
其中尤以「三家山水」李成、范宽、董源为代表。
「宋三家」对自然的理解各异其趣。《画鉴》云：「董源得山水之神气，李成得体貌，范宽得骨法，故三家照耀古今，而为百代师法」。
其中尤以范宽的代表作「溪山行旅图」最具代表性。高山肃穆庄严、矗立静止，而溪水却潺潺流动、动静结合，透出一种非凡的力量，层次丰富，墨色线条力道十足，给人以身临其境之感。
「溪山行旅图」中，人只是行于大山大水里极其微小的存在，宋人深谙，人生不过广袤宇宙中的匆匆过客，所以用「行旅」而非「旅行」。敬畏自然，留下谦卑。
至北宋中后期，不再单纯讲究线条气势，而更追求一种内在神韵，既精准描绘外在形象，又充分表达内在感情。写实性的全景式山水画发展到极致。
中间有继承唐青绿山水的王希孟和赵伯驹。
山水画至南宋有所变化，恢宏气势的山水不见，更多的是针对某个特定角度展开创作，讲求秀丽和工整。虽然少了雄浑，但小巧精致的气息扑面而来。
李唐、刘松年、马远、夏圭统称「南宋四大家」。
南宋四大家之首李唐开创山水新画风。代表作《万壑松风图》，山水开始带有强烈的感情色彩，浓郁的浪漫主义情调，带动其后山水画的留白之风与文人诗意。
而马远、夏圭则以「残山剩水」闻名，独创的「角隅」发，以边角窥全貌，取舍剪裁，水墨留白，让画面保持一种清明和空灵，营造出「此时无声胜有声」的意境。
雄奇简淡的笔法，水墨苍劲的劈皴，坚实爽朗的浅染，意境清远，回味无穷，充分的体现了宋朝绘画的极简审美。
代表作有马远《踏歌图》《寒江独钓图》；夏圭的《溪山清远图》《烟堤晚泊》等。
宋代理学倡导「格物致知」，即不试图以技艺感人，更不容流于滥情，而是以敬畏之心回应自然，在细节中体现对比之美，以理性的内省态度，追求近乎理想的真实。
走进宋画，用心体味，会被一种前所未有的美感所深深打动。
它温柔不失力量，内敛间或飘溢，和雅绝无燥气。它极尽物态之美，简洁却不简单，于精雕细琢中张扬着自然生命的意象与精神。
宋 | 笔墨书法
书法作为线条的艺术，是一个时代美学的集中体现。
宋代的书法跟水墨山水画一样，不再追求宏伟壮大，更专注于表达自我，追求平淡天真，空灵素雅的意境之美。
「宋人尚意」指宋朝书法追求意境，而不拘于法度。正如苏轼所言：「我书意造本无法，点画信手烦推求」。
宋人写字不似唐人般规规矩矩，而是自然随性。透过书法，可以看到书写之人或激动，或悲伤，或洒脱，或潇洒的真性情。
比如宋徽宗，作为被皇帝耽误的艺术家，字和画都堪称瑰宝。宋徽宗独创的「瘦金体」，如屈铁断金，锋芒毕露，将洒脱的性情和执着表现得淋漓尽致。
宋代著名书法家「苏黄米蔡」，即苏轼、黄庭坚、米芾和蔡襄，合称「宋四家」。
其中黄庭坚比苏轼小八岁，非常欣赏苏轼的人品和才华，两人是至交。
苏轼的字略显宽扁，柔和温暖，黄庭坚就笑言是「石压蛤蟆」；黄庭坚的字相对细瘦，曲直相间，苏轼就打趣是「树梢挂蛇」。生动地体现了两人书法的特点。
苏轼年轻时字写的漂亮，43岁因乌台诗狱被抓，经欧阳修等极力抢救，才被贬黄州。黄州时期写了「赤壁赋」「念奴娇」、以及唯一留下的「寒食帖」。
「寒食帖」是人生跌了一个大跟头之后所做，苏轼已不在意所谓的美，而是一气呵成自然流畅。这是人生最高境界，「别人笑我太痴狂，我笑他人看不穿」。很多东西必须在生命不同阶段去领悟。
苏轼「寒食帖」
后来黄庭坚又在「寒食帖」上题词。两大书法家并列，诠释了宋人尚意的最高典范。宋代笔法豪放而谨严，变化多端而融合；瘦硬遒劲却又刚中有柔，至今仍是世界公认最高的品格和风格。
宋 | 官窑瓷器
宋代是瓷业发展史上的「黄金时代」，数量和质量都堪称一流，既有温润的定窑白釉、淡雅的龙泉梅青釉、含蓄的汝窑天青色，又有耀州窑青釉，景德镇青白瓷等等。
宋代窑口遍地开花，釉色千差万别。不同于唐三彩的鲜亮与张扬，更倾向内敛而清澈的质感，丝丝温润的暖色，观之身心安宁。
宋瓷与元瓷相比，多了分细腻；与明清瓷相比，又少了些柔媚。工艺精湛复杂，最后呈现出的效果却极其安静内敛，朴实无华。
宋人其实是用最简单的方、圆、素、朴、拙来表现质感和单纯，将美提升到极致。「雨过天晴云破处，者般颜色作将来」，就是宋人的至美追求，色调优雅，无与伦比。
犹如「大道至简」的意思，即摈弃外表的过度雕琢，而追求内在的本质之美，呈现出朴素中有内涵，简洁中有意味的至高境界。
正如苏轼用泉水比喻诗文，「绚烂之极归于平淡」，艺术也应超越简单的感官美，而上升到思想情感的境界，平淡而不枯寡。
这种「绚烂之极归于平淡」的美，在「北宋汝窑」和「南宋官窑」中体现的最为完美，含蓄冲淡的光彩细腻单纯，极致绚烂，又极致平淡。成就了瓷器审美的巅峰。
冰裂纹，本来是败笔、但宋人觉得里面有种沧桑美，经历时间后，叫开片，这是很特别的宋代美学。
素色无纹的天青色汝瓷，搭配若隐若现的冰裂纹，朴素得好似找不到欣赏焦点，但静心细观，会发现天青色的静谧配合着冰裂纹的灵动，动静结合，相得益彰，更有着器物有尽，而意境无穷的感染力。
宋人掌握了朴与拙、素与雅的完美结合，用特有的简洁造型和淡雅清新，诠释着对自然生灵的敏锐感悟力，阐述着中华文化的博大精深及艺术内涵。
从传世的梅花图、枯木山水画、冰裂纹青瓷、窑变釉瓷器来看，宋人试图让残缺变成欣赏的聚焦点，用朴、素、淡、雅、拙成就独特的审美情趣。
宋 | 风雅四艺
作为真正能担得起「风雅」二字的朝代，「宋代」是中国古代文明的高峰，甚至被西方誉为「东方的文艺复兴」。
宋代的文人士大夫们，追求隐逸生活，由隐逸文化自然兴起雅致的生活美学，并且在民间迅速流行。
「点茶、焚香、插花、挂画」，合称「四艺」。透过嗅觉、味觉、触觉与视觉，充实涵养与修为，将日常生活提升至艺术境界，乃宋代雅致生活的集中体现。
点茶 | 轻点香茶，悠然品茗
中国饮茶之风「兴于唐，而盛于宋」。宋代茶文化得到帝王将相、文人雅士乃至民间百工的崇尚，可谓空前繁荣。
其上承唐代精致的煎茶法而有创新，穷尽雅致的「点茶法」成为当时饮茶的主流方式。
「点茶法」不再直接将茶熟煮，而是先将茶饼压辗成粉末后置于盏中。以釜烧水，微沸初漾时以水注点，随即用「茶筅」快速击打，使茶水充分交融，混合成乳状再饮用。
所谓：「上有所好，下必甚焉」。皇帝酷爱点茶，百姓自然跟风，传世诗文可知苏东坡、陆游等名士也都对点茶赞赏有加。甚至深深影响到日本的抹茶道。
除此之外，「斗茶」亦是宋代茶事的一大活动，流行于文人雅士之中。
「斗茶」以猜测茶叶产地、辨别采摘时间、分辨春茶秋茶，以及辨明点茶之水来源和品质为主。带有游戏乐趣，更有助于当时茶叶品质和点汤技艺的提高。
插花 | 理念之花，百态人生
中国插花艺术始于隋朝之前，唐朝之时已在宫廷盛行，至到宋更普及至一般文人雅士，发展极盛。
不同于唐代插花的富丽堂皇，宋的插花讲究清雅素淡，高低错落，疏密聚散，对内涵的重视更甚于形式，被称做「理念花」。
宋人还有「簪花」的习惯，不论男女，不分贵贱，上至君主大夫，下至市井小民，都以簪花为时尚，「虽贫者亦戴花饮酒相乐」。
宋朝的商家，也喜欢用插花来装饰酒店、茶坊，营造出带有些许野趣的优雅格调。
《梦梁录》记载：「汴京熟食借，张挂名画，所以勾引观者，留连良客。今杭城茶肆亦如之，插四时花、挂名人画、装点门面」。
宋代每年春天都会举办盛大的「花朝节」，《梦粱录》记载：「仲春十五日为花朝节，浙间风俗，以为春序正中，百花争放之时，最堪游赏」。花朝节之时往往万人空巷。
焚香 | 沉馥馨香，舒解烦忧
中国历代文人墨客爱香成癖，盛唐时期调香、熏香、评香已成高雅艺术，香道文化俨然成形。宋代更将此幽静风雅之气推向极致。
上至文人雅客聚集之时，品香抚琴，吟诗作画，谈诗论道；下至庶民百姓解酒安神，熏衣待客，甚至衣着妆容，可谓无物不香。
香炭原料质地的优劣，直接影响到隔火熏香的效果，所以香碳的制作及用料十分考究。隔火片以陶或瓷为佳，可使香气更加温润纯正。甚至香灰都讲究洁净松软、疏松透气。
历代不少帝王将相、文人墨客皆惜香如金、恋香成癖，甚至有文人感叹「无香何以为聚」。苏东坡晚年与弟子就是以沉香为伴，终日焚香作赋，度过晚年。
挂画 | 行云字画，乾坤之趣
「挂画」最早见于唐陆羽《茶经》，指挂于茶会座位旁的关于茶的相关画作。
演变至宋代，宋太祖赐茶肆画图，当为饮茶挂画的始由，此后挂画题材渐渐广泛，以诗、词、字、画的卷轴为主。
从此，宋代文人雅士逐渐讲究挂画的内容和展示的形式，赏画遂成为家居鉴赏或雅集聚会的重要活动。
茶肆挂书画或茶前挂画是对品茗环境的营造，有助于饮茶之时平静内心，于画中方寸之魅，寻乾坤日月之趣。
如果说：焚香重嗅觉之美，品茶重味觉之美，插花重触觉之美，而挂画则重视觉之美。四艺合一展现宋代文人雅士风雅，韵味的生活美学。
宋代，是一段曾经的时光，更是一种气质、精神、艺术和审美，含蓄内敛而包容。那是一种「柔」的文化，用极简、极素、极拙创造了世间大美。
如今，宋之风雅已然随历史的洪流远去，然而其中蕴涵的生活情调与审美意趣，却并未随着时代的变迁而湮灭，那是一种追求雅致，讲究品质生活态度。
不必生得惊艳，但要活得精致。
宋代文人心中自有山水，笃信生命的质感，远比权力财富更具价值。就连皇帝宋徽宗，也认为心中的山水远胜于世俗的权力。
只有懂得感受和体味生活，才是一个生命的最高境界。
如今面对生活节奏的加快，我们不妨也时常像宋人一样慢下来，去发现生活中的美物、美景，也许会有不一样的心境和体悟。
来源：抱蒲堂
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