40后女性艺术家（女性艺术家的野蛮生长）
40后女性艺术家（女性艺术家的野蛮生长）斯蒂海默▼抛开艺术家的伟大不应局限在性别之上来说，其实，通过作品，你未必没有听到那些女性艺术家的“遥远发声”。传统女性艺术家笔下的花朵，难逃被欣赏的宿命，或是沦为凸显“美”和绘画技艺的工具。但总有人打心眼里对这种“千篇一律”感到厌烦：我画的花真的就是我心中的“花”吗？
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纵观整个艺术史，男性艺术家的大名时常被提及，相比，女性艺术家的声音显得隐蔽而寥寥。
甚至人们会发出疑问：为什么说起艺术家总是先想到男性？为什么鲜有伟大的女性艺术家？
抛开艺术家的伟大不应局限在性别之上来说，其实，通过作品，你未必没有听到那些女性艺术家的“遥远发声”。
传统女性艺术家笔下的花朵，难逃被欣赏的宿命，或是沦为凸显“美”和绘画技艺的工具。
但总有人打心眼里对这种“千篇一律”感到厌烦：我画的花真的就是我心中的“花”吗？
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斯蒂海默
『 特点 』：解读女性的感知体验特性
斯蒂海默把思考带入了自己的作品。
《家庭画像II》中，充斥着三朵硕大明艳的花朵，隐喻华服加身的妈妈和姐妹。而褪去一身华服，以黑色套装示人的斯蒂海默，有些矛盾。
一方面她很想告诉大家“其实，我是一个画家”的身份，但另一方面，她又只能将这种想法隐藏在花朵的艳丽之下。
《家庭画像II》
斯蒂海默在为人处世方面也有自己的一套，她自创「 粉色的灯 」一说：
出于礼貌，遇到陌生人，她便打开粉色的灯，展示温柔和迷人，当陌生人远离时，她就打开自己的灯，成为了自己。
很显然，花朵就是那盏「 粉色的灯 」。
也许，真实的斯蒂海默并不像大众所认知和追崇的那般极具女性化的灵魂，而极具女性意味的花朵恰恰成了她掩藏锋芒的最好保护色。
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乔治亚·欧姬芙
『 特点 』：细微变化组成韵律感的构图
如果说，斯蒂海默的花朵带着隐蔽性的反叛萌芽，那么美国现代艺术之母乔治亚·欧姬芙的花朵就是赤裸裸的女性宣誓。
欧姬芙的花朵，专注对局部细微的刻画，不再是安静地被欣赏，而是极致地怒放，让你不得不注意到其中的细节和奥妙。
但这样扎眼的花朵备受争议，批评家诟病她描绘的花朵视觉上给人以性的联想，这对于当时的女艺术家身份来说，是一种不得体的禁忌。
欧姬芙只好回敬一记白眼：
“当人们以情色符号来解读我的画作时，他们口中所述的不过是自己的臆断。”
在美术史上，“没有什么比花朵更适合女性”的观点 一度让女性艺术家的创作主题只能在静物和花卉间徘徊。
所幸，在新的画笔下， 脱去“女性气质“枷锁的花朵，在艺术家赋予自我思考和更多的象征意义后，才真正绽放了原始「 野蛮生长 」的艺术生命力。
你以为我画的是花？其实画的是刺儿啊！
在没有自拍的时代，一定程度上，女性艺术家的自画像就是一面映射出“内心秘密”的镜子。
但她们追求的，一定是“美美哒”吗？
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塔玛拉·德·蓝碧嘉
『 特点 』：创造一种新的风格
这位神情傲娇的红唇女人，自信地握着手中的方向盘，不屑地瞥向此刻的注视者，似乎在说：“快收起你那看怪物的眼神！”
这就是波兰画家塔玛拉·德·蓝碧嘉在自画像中的自我展现，这幅自画像被用作德国时尚杂志《DieDame》的封面，作为“新女性”语境的时代象征。
塔玛拉·德·蓝碧嘉
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布鲁克斯
『 特点 』：还原作为人最本质的一面
布鲁克斯的自画像，则是异装大佬的画风。
穿上中性的服饰，掩盖自身的女性化特征，拒绝透露眼神的信息传递，性别在此刻不再重要，还原作为人最本质的一面才是内核。
布鲁克斯自画像
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西尔维亚·斯蕾
『 特点 』：找寻自我的全新角色
西尔维亚·斯蕾的作品中不乏许多女性艺术团体的群像，她热衷于记录当时活跃在美国的一批女性艺术从业者的party。
画面中的女性自然舒展，眼神坚定有力，没有给出传统淑女的柔美形象，一股子坦然率性的艺术家做派。女性艺术家得以在团体的环境中找寻自我的全新角色，并非只是狭隘的性别角色。
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谢夫贝克
『 特点 』：生命的最真实写照
自画像除了记录某一瞬间的自我外，更多女性艺术家把一生也浓缩在画里。
谢夫贝克的40幅自画像，是内心转变的真实写照，由最先的写实风格过渡到诡异，在生命尽头，只剩下扭曲、模糊的轮廓，没有性别的因素干扰，作为“人”的第一身份，直面衰老和死亡的事实。
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弗里达
『 特点 』： 独特的思想观念与审美意识
最热衷肖像画的弗里达，一生中画了超过140幅画作，其中有55幅都是自画像。一字眉和嘴唇上的淡淡胡须始终是她不会抹去的个人标志。
六岁时，小儿麻痹，十八岁，车祸造成永久的伤痛折磨，再加之不幸的婚姻，坎坷的一生，无比血淋淋又忠实地展现在自画像里。
交杂着真实，幻想，喜悦，悲痛，正如她自已的生活艺术：“到头来，我们能承受的远比我们想象的要多得多。”
女性的身体，一直以来都是艺术圈常见并非常喜爱的创作主题（特别是男艺术家），但很长的一段历史时期，女性作为主体，竟没有对裸体模特进行写生的权利。
男性艺术家笔下的女性身体难免沾染了一丝情色气息，但站在女性的视角，则更注重还原内心的真相。
同样是窥探女性闺房的主题，安格尔画中的半裸女性，慵懒地斜躺着，性感丰腴的身体充分地暴露着，配合着暧昧的暖黄色调，赤裸裸地彰显着肉欲之感，而她的日常，是等待亲爱的老公回家。
马维尔的《回教闺房》中，女性在冷色调的笔触下，各自有各自的姿态，似乎正在进行思想的碰撞，十分冷静和克制。
显而易见，女性艺术家营造的女性形象，没有男性视角的夸大肉欲，更关注的，是让女性回归到真实情绪里，产生对自我的认同感。
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阿特米西亚·简特内斯基
『 特点 』：用画笔复仇
宗教故事主题《苏珊娜》，曾被众多艺术家描绘。
在男性大师的笔下，苏珊娜美艳的裸体是为满足偷窥者的欲望而服务，苏珊娜的抵抗完全被忽略，反而使她成为一个半推半就的参与者。
女艺术家阿特米西亚·简特内斯基笔下的《苏珊娜》，没有了窥视的快感和色情的意味，更多地还原了这位古代圣经女英雄无处躲藏、难堪不安的窘迫。
时至今日，女性形象作为被观看的风景仍然是无处不在的事实，美丽的女性依然是吸睛的噱头。
女性的身体，乃至“女人”一词，总是充满话题性，哪怕是现在的文明社会，虽然穿上了衣服，但这种“男性注视”，你能说它完全不存在了吗？
哲学家西蒙娜·德·波伏娃在《第二性》中提出：“女性不是天生的，是后天塑造的。”
谁来塑造呢？显然是当时拥有绝对社会话语权的男性。他们首先要塑造的，是“母亲”的角色。
大多数男性艺术家作品中的母亲是神圣的，比如散发着“母爱之光”的圣母玛利亚，而他们也热衷于描绘“耶稣与圣母”、“圣母之死”等高大上的主题。
这些母亲角色，不过是高度纯洁、高贵的女性化身，但也是架空的，没有欲望和理想，是家庭的附属品，甚至牺牲品。
而女性艺术家笔下的母亲则更具说服力，还原了真实的人味。
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莫里索
『 特点 』：我只是我自己
莫里索的《母亲和妹妹》，画面中的母亲没有围绕着孩子和厨房，而是捧着书本，聚精会神地进行阅读，散发着“此刻我不是母亲，我只是我自己”的毋庸打扰的氛围。
《母亲和妹妹》
除了“母亲”，女性还容易被打造成“女性气质”的流水线产物：美丽、柔弱、顺从。但阿特米西亚·简特内斯基拒绝这样的束缚，她的表达甚至异常暴力直接。
因为曾被侵犯，但对方却没有得到相应的惩罚，阿特米西亚·简特内斯基决定用画笔复仇。
温柔、善良、软弱？不存在的，她笔下的女性，画风硬朗，孔武有力。
阿特米西亚·简特内斯基自画像
经典的《朱迪斯杀死荷罗孚尼》血腥地告诉世人：
女人一旦凶悍起来，男人恐怕会没命！将军荷罗孚尼贪图寡妇朱迪斯的美貌，召唤她进入自己的帐篷。待他喝醉后，朱迪斯果断砍下了他的头颅。
下手丝毫没有犹豫或畏惧，只有满脸的厌恶，若放在现在，就是妥妥的致命女人了！
《朱迪斯杀死荷罗孚尼》
此刻，画中的朱迪斯代替阿特米西亚化身为女英雄。
长期以来，在文化中处于被阉割地位的女性，反过来用画笔阉割压迫她们的男性，她的斩首是一种对强权的抗议。
远隔几个世纪，在女性艺术家的作品中，其实早已存在关于女性艺术权力的质询和对刻板印象的反叛。
就像欧姬芙所说：“我觉得我是最好的艺术家，请把“女”字去掉。”
艺术家是属于艺术的，从来不属于性别。
参考文献：匡慧聪.女性艺术主题的嬗变.2018
