这才是分镜的真正打开方式（分镜入门28张动图）
这才是分镜的真正打开方式（分镜入门28张动图）“画面”是导演想通过镜头展示的内容，包含机位、登场人物、场景等信息。这是分镜中最必不可少的部分，相当于整部动画的设计草图。当然，我们还应该注意，每个镜头编号不一定代表完整的镜头。当遇到长镜头的情况，虽然在理论上这组画面都属于同一个镜头，但是依然要用镜头编号给分割开来。为镜头编号有两个目的：其一，是为了方便导演下达指示，有利于提高沟通的效率；其二是为了确定原画师的工作量，作为计算工资的依据。一集动画往往分发给多名原画师共同完成的，按照镜头编号来分配具体的工作。同时，有了明确的镜头编号，也方便了回收和整理原画，片尾的“演职人员名单”有时候也是以每个人所负责的镜头出现的顺序，作为排序依据的。普通的TV动画，每集有300至400个镜头。有些比较高能的“战斗回”可能还会更多，比如《Princess Principal》第五集共有477个镜头，这就意味着总作画数量将达到普通动画的1.5倍左右。
大家好，这期的主题是“动画的分镜艺术与镜头语言”。将从一些精彩案例入手，介绍分镜的基本概念、常见的运镜方式、镜头语言的赏析方法。目的是让观众能够更全面、更有质量的欣赏动画，并帮助刚动漫领域的新人作者们积累必备的基础知识。
分镜的五大要素：镜头编号、画面、动作、对话、时间。
不同的动画公司使用的分镜格式不尽相同，有时会根据使用习惯而改变。比如京都动画、Gainax、吉卜力的分镜用纸就各不相同，但不管怎么变分镜的五大要素都是必不可少的。下面就来逐个解释一下这些要素的含义：
镜头是组成整个影像的基本单位。我们一般把同一机位从开始到结束的画面成为单个镜头，也会针对这些镜头进行逐个编号。
为镜头编号有两个目的：其一，是为了方便导演下达指示，有利于提高沟通的效率；其二是为了确定原画师的工作量，作为计算工资的依据。
一集动画往往分发给多名原画师共同完成的，按照镜头编号来分配具体的工作。同时，有了明确的镜头编号，也方便了回收和整理原画，片尾的“演职人员名单”有时候也是以每个人所负责的镜头出现的顺序，作为排序依据的。
普通的TV动画，每集有300至400个镜头。有些比较高能的“战斗回”可能还会更多，比如《Princess Principal》第五集共有477个镜头，这就意味着总作画数量将达到普通动画的1.5倍左右。
当然，我们还应该注意，每个镜头编号不一定代表完整的镜头。当遇到长镜头的情况，虽然在理论上这组画面都属于同一个镜头，但是依然要用镜头编号给分割开来。
【Picture】画面：“画面”是导演想通过镜头展示的内容，包含机位、登场人物、场景等信息。这是分镜中最必不可少的部分，相当于整部动画的设计草图。
我之后要讲的大部分内容也是关于画面的，这里先简单介绍一下分镜与layout（构图）和原画的关系吧。
Layout是按照分镜进一步确定人物与背景空间关系的示意图。要体现出“时间、地点、气氛”。有的导演例如宫崎骏喜欢喜欢亲自绘制layout，也有像今敏这种直接按Layout标准画分镜的鬼才导演，不过现在的主流做法是让原画师来绘制layout。Layout相当于线稿的完成品，必须将最终画面的所有内容完全展现。
我们可以把layout看做分镜的细化，也是从分镜到原画的过渡阶段。以《千与千寻》为例，分镜、Layout与成品的关系一目了然。
另外再看《冰菓》的这个案例，这里体现的是分镜与原画的关系，一个镜头往往对应着多张原画，分镜没有必要画出过渡动作，只需对动作的方向和幅度做出指示即可。
当然也有例外，比如在《夜樱四重奏》中，导演泽良辅为了让原画师更好的理解人物的动作，干脆直接以“草原画”的标准，按照关键动作一张不落的把分镜给画出来了。这是极为少见的情况，对分镜者的作画功底有很高的要求。
【Action】动作：这是用来说明动作的一栏，其中既有镜头、人物的物理运动。也会备注人物此时此刻的心情，以及具体的环境、运镜方式等等特殊指示。通过“动作”展现出表现出的镜头效果是本次论述的重点，我将在之后的运镜方式部分详细说明。
这里主要解释一下AC。这个指示的全称是“action cut”，当在分镜上出现，就说明导演要着重强调两个镜头之间动作的连续性。比如《魔女宅急便》第一幕的这个场景，第一个镜头女主向后伸手拿收音机，镜头改变之后，女主的动作是接着上一个动作继续进行的。
有观众会问，把动作画连续不是理所当然的吗，为什么还要专门指示？看这张图，新房昭之等人就不吃这一套，他们不会拘泥于运动的连续性，而是刻意追求一种跳跃的观感。
【Dialog】对话
这个顾名思义，就是用来填写人物台词的一栏。环境音效和各种特殊的音效有时候也会在此栏进行备注。所以我们看到某个地方音效用的特别巧妙，也有可能是在分镜上做出了指示。
例如《恋如雨止》的这个镜头，女主怒视对方的同时，背后的厨房传来了油锅里刺耳的噪音，从侧面刻画了女主的心情。这里的背景音，就是需要在分镜中做出的指示。
【Sec】镜头持续时间这一栏表示镜头的持续时间。现在比较流行的写法是“秒 格数”，平时可能会写作“s k”。日本TV动画一般都是按照每秒24帧的规格制作，所以分镜作业时，喜欢将秒拆分成24格，来进行精确定位。
TV动画往往对每集的总时长有非常严格的限制，加入“赞助商鸣谢”和“广告”之后，必须是30分钟，差一秒钟都不行。
所谓的镜头语言可以通过很多方面来体现，其中包括运镜方式、构图技巧、象征手法。这里主要说一下基本机位和常见的运镜方式。
基本机位（静态镜头）
1关系镜头。2、3 人物中景。4、5 局部关系镜头，过肩镜头。6、7 正反打镜头。8、9 骑轴镜头。
PANpan是很普遍的运镜方式，也被称作“摇镜”，顾名思义就是镜头上下左右的摇。
不过在动画中，PAN并非真的在“摇”，而是靠作画层与背景层的移动来实现的。在这之下有很多分支，比如PAN UP、PAN DOWN 、Quick PAN、回转PAN、Follow PAN等等。
这个镜头就是PAN UP，实现的方式很简单，就是将作画层与背景层整体下拉，来造成镜头向上运动的错觉。这种镜头多用于展示人物全身的时候，最后经常停留在人物面部，以便引入后续的对话或者特写。在此基础上进行加速，就变成了Quick PAN Up，简写成QPU。
其实有的时候，为了让相对静止的画面保持动感，也会使用小幅度的PAN UP或者PAN DOWN，通俗一点讲就是为了省钱。这是TV动画的普遍做法，也是与实拍影视剧区别最大的地方。剧场版动画或者是偏写实风格的动画，往往更倾向于减少此类镜头，追求更为自然的实拍效果。
回转PAN，这种运镜方式平时不会随便使用。因为它自带一定叙事效果，回转镜头往往用来传递不安、痛苦的负面情绪。
Follow PAN也称作跟拍，指的是摄像机跟随物体移动的拍摄手法。实现方法很简单，作画层（人物）的位置保持不动，背景层向一侧做相对运动，就产生了跟拍效果。
还有一个点需要注意，我们来看这个案例，这虽然也是跟拍镜头，但并不是靠前景与背景相对运动造成的视觉效果。动态背景属于作画范畴，有时也会用到3D，这种效果是“Pan”无法实现的，应该称为“Follow”。
宫崎骏在《魔女宅急便》的分镜集中专门解释过两者的区别，follow指的是摄像机和被摄物同时移动，而Follow PAN的摄像机是固定不动的。
S.L
全称是Sliding，指的是作画层与背景层之间相对运动的指示。与“跟拍”的原理比较类似，用到了作画层的相对运动。比如这个案例中，作画层分成了三层，第一层向左移动，而后面两层以不同的速度向右移动，给人一种镜头在水平运动的错觉，
TU/TB指的是镜头在不同景别之间平滑转换，换句话说就是“镜头拉近、推远”。
正好在这里简单介绍一下“景别”，其实很容易理解，景别就是按照镜头远近区分的，分为“远景”“全景”“中景”“近景”“特写”，这之间还可以继续往下细分。
一般来说远景主要用来体现周围环境；全景要把人物全身拍进去，主要用来展现人物之间的位置关系；中景是膝盖以上的镜头；近景是人物胸部以上的镜头；特写针对人物身体，或者某些物体的局部。当然，实际应用中会有些变通的地方，应该根据具体情况去分析。
FIX
静止镜头。指的是镜头位置固定，被摄物可以是静态，也可以是动态。静止镜头占每集动画的多数时间。在分镜头脚本上出现Fix的指示，是为了表示让运动中的镜头停下来。
有时候会用完全静止的画面，会更加有利于情感的表达。最著名的要数《EVA》长达60秒的静止镜头了，虽说本意是解约经费，不过的确也起到了展现人物内心纠结的叙事效果。
主观镜头模仿人物视角的镜头，有利于增强代入感。有时也会利用主观镜头的特殊性，来完成“越轴”的处理。（大家可以自行搜索“越轴”这个词，这里暂时先不展开讲了）
以《鬼灭之刃》为例，这里先后出现了两位角色的主观镜头，第一次的目的是增强代入感；而第二个主观镜头，则是用来跨越原本的人物的关系轴线。
广角镜头
广角镜头一般用于紧张的场合之中。透视点不规律，造成视觉发散，从而产生不安感。
FI/FO
淡入淡出。多用于转场画面，为了让过渡更为自然。属于比较基本的转场手段，之后我会列举一些更为高级的转场。
讲了这么多基础，终于该进入主题了，其实上面讲的分镜、运镜，都是为镜头语言服务的。
镜头语言可以理解为创作者想要直接通过画面传递的意图，与构图、机位、摄影都有关系。镜头语言的种类很多，往往是多种技巧的混用，可以大致分类为以下几种：
- 1、构图类
- 2、夸张类
- 3、象征、暗示类。（包含蒙太奇）
还是直接来看案例吧，首先是《我的青春恋爱物语果然有问题》这个镜头加入了前景，将人物分割开来。如此大面积的前景本身就具有一定的制造压抑感的效果，阻断的空间也暗示了人物关系出现了隔阂。
《利兹与青鸟》的镜头构图也是如此，大量的前景压缩了人物空间，从渺小的角落中传递出了一种迷茫与无助的情感。另外这个构图还有一个绝妙之处，人物的位置正好处于透视的“消失点”附近，也就是说虽然人物占据的位置很小，但观众的注意力一定会被景深和透视线引导到她的身上。
《超自然九人组》第9集的镜头非常奇怪，全都是采用这种非正常的构图，横着、斜着、倒着，基本没有端正的镜头。这集是文本量非常大的一集，有趣构图既能有效吸引观众的注意力，也自带一定的传递不安情绪的效果，为这一集锦上添花。
《吹响吧上低音号》这个镜头是构图与暗示技巧的混用。表达的思想也是不言而喻，人物被从阴影中拉入了阳光之下，象征着她的正在慢慢的敞开心扉。
夸张类
“夸张”是很常用的镜头表现手法，珠子一样大的眼泪、从眼眶中“跳”出来的眼球、还有各种浮夸的颜艺都可以归为此类。
以上两个案例都是用夸张来表现“人物跑得快”的镜头，第一个是靠的是被风阻力吹变形的面部来表现的，而第二个用了“追火车”和“撞穿墙”去表现速度，同时也体现出了人物急切的心情。
象征、暗示类：这类镜头语言往往都有很大的解读余地，是漫评创作者们的最爱。观众朋友们平时自己在观看的过程中，尝试发现镜头的象征性，也能让观影体验有着大幅度的提升。
这个案例来自《恋如雨止》，男主角第一次正面回应了女主角的感情，这里没有先将镜头给到面部，而是通过雨伞倒下的镜头进行过渡。用这种含蓄的表现手法，来象征他们之间的关系更近了一步。
这是《中二病也要谈恋爱》中的一个具有多重象征性的镜头。七宫脸上的这个心形贴纸，跟“邪王真眼”一样都是中二病时期的见证。这一幕发生在她恋爱受挫之后，掉落的心形贴纸既象征着“爱情”无法挽回，也象征着她对于中二病这一“信念”的动摇。
再比如《朝花夕誓》中的这个告别的镜头，这个场景是美术监督东地和生亲自设计的，他也解释过自己的设计意图。拱桥和尖塔的倒影形成了一个钟表的形状，象征着让两人分离的东西是“时间”。故事中的离别一族寿命是400年以上，随着时间的流逝，他们总是在不断地与珍视之人离别。
蒙太奇指的是将多个不同的镜头剪辑到一起，来表达原有镜头所不具备的叙事性的一种手法。也属于镜头语言的一种，在动画中也被频繁使用。例如在《吹响！上低音号》中，用粘在蛛网上的蝴蝶来暗示女主角没有退路、将要背水一战处境。
细节不一定属于镜头语言：刚才提到的镜头语言中，有细节、有暗示，但并非所有的细节之处都可以算作镜头语言。镜头语言强调的是叙事性和导演意图，如果两者都不具备，那就不属于镜头语言，充其量算是彩蛋。
比如千与千寻中的这个镜头。高速公路牌子上字的内容引发了很多解读，不过这个镜头实际上如果不暂停的话是很难发现牌子上的内容的。观众无法看清，又如何去体会导演的意图呢。
每部动画都存在转场，一个优秀的转场，不仅能做到无缝衔接也有一定的叙事性。常见的转场技巧有以下几种：
- 1、利用运动镜头或动势转场。
- 2、利用相似性因素转场。（形状、运动、色彩等）
- 3、利用特写转场。
- 4、利用空镜头（景物镜头）转场。
- 5、用遮挡物转场。
- 6、用声音转场。
- 7、用台词转场
- 8、利用人物视线转场。
1、2、3）《未闻花名》这一集，短短十秒就用到了多种转场的技巧。首先，用特写镜头和眼部的相似性，进行了一次转场。然后用了一次panup的镜头动势，这个技巧也可以用来转场，但这一幕中并没有这样用。
另外，花朵落下的镜头也利用了相似性，这同样是常见的转场技巧。就算这时候人物抬起头，看见的是多年之前的女主角，我也并不会觉得奇怪。
4）利用景物镜头转场。这类转场非常普遍，还有一定的展示周围环境、交代时间地点的“功能性”。
5）利用遮挡物转场。一般来说，用于转场的遮挡物与遮挡物之间，也应该有一定的相似性，这样会让场景转换的更为自然。比如这里的手机和邮箱都是红色的，这就是一种相似性。
6）利用声音转场。其实在前一个镜头中，哭声已经响起好久了，吸引了观众的注意力，并且持续了一段时间后才转入下一个镜头。
7）台词转场。图中的两个角色实际上是在两个完全不同的地方。但两人的台词之间有连续性，利用这样的连续性，很自然的就转换了场景。
8）用视线转场。这里所说的视线“第一人称”或是“第三人称”都适用，比如用人物眺望远方的主观镜头，去转换到远处的场景。或是通过人物的视线引导，转换至下一个镜头。上图的《东京教父》中，就是利用了“路人抬头”的视线引导，将场景转换到了楼上的广告牌。
另外，今敏的动画中有大量有创意、且密度极高的专场技巧，对这方面感兴趣的观众，不妨再品味一下他的作品。
结语：动画鉴赏可以着眼于很多方面，故事、内涵、作画、配乐，每位观众的关注点都会有所不同。但是想要更深入、更全面的评价一部作品，对于分镜的赏析是不可避免的。希望通过这篇文章，让更多的观众对分镜有一个基本的认识，并在今后欣赏动画的时候能够感受到镜头语言的魅力。
