美式钢琴最简单的曲子（如何演奏先锋派钢琴音乐）
美式钢琴最简单的曲子（如何演奏先锋派钢琴音乐）谱例2《大宇宙(第一组曲)》中的对位元素还经常体现在复调性单声部中。单声部暗示两个或多个声部的写法在巴洛克时期的键盘作品中非常常见。键盘乐器缺少音后变化的性能，快速的织体化演奏成为这类乐器表现多声音乐的常用形式，直到踏板功能完善。在《大宇宙》和很多先锋派钢琴作品中，踏板另有更多精确的音色作用。因此在快速段落中往往采用巴洛克托卡塔或即兴前奏曲式的大片织体跑动来展现微观的对位思维。在演奏这种段落时，演奏者对每个小音符横向的联系必须有着精确的分析。演奏先锋派作品和巴洛克作品时的冷静与理性，往往就是来自于这些“毛细血管”的支撑与牵制。先锋主义是20世纪战后西方各种创作风格的统称，包括序列主义、极简主义、织体主义、偶然音乐等流派。这些20世纪的音乐流派极力避免使用调性与和声功能元素，而更悠久的对位法则得到重视。在先锋主义早期代表作亨利·考埃尔的《马努努的潮汐》中，左手手臂和手肘演奏的无调性音束(To
文 | 王天阳
美国作曲家乔治·克拉姆的组曲《大宇宙(第一组曲)》是西方先锋主义钢琴作品中的代表作。《大宇宙(第一组曲)》创作于1972年，为独奏预制钢琴而作。《大宇宙》系列的第二、第三、第四组曲在随后的几年后问世，但第一组曲最为听众熟知。《大宇宙》在国内演出记录不多，星海音乐学院的张奕明博士与武汉音乐学院客座教授谢亚鸥曾在国内不同场合演奏过此曲。2021年底至2022年5月，我先后在中央音乐学院博士讲座音乐会、北京托斯卡音乐沙龙、珠江钢琴线上导赏音乐会中三次演奏《大宇宙(第一组曲)》，专家、古典音乐爱好者、网友三类不同听众都给予了积极的评价。作品出色的感染力与多层次的听众反馈使我认为应当系统地整理先锋主义钢琴作品演奏的心得，并推广至钢琴教学中。
《大宇宙》的曲名致敬巴托克钢琴曲集《小宇宙》。作品的创作手法沿袭了后者在节奏、复调、音色各方面的探索思路。第一组曲由黄道星座命名的十二首幻想曲组成，每首幻想曲呈现独特的画面感，各幻想曲间存在潜在的对比，音乐内容上受德彪西两卷钢琴《前奏曲》启发。以上两部经典前作提醒人们，先锋派钢琴作品不仅反映作曲手法的变迁，也体现钢琴演奏风格的发展趋势。现有中文文献中关于乔治·克拉姆及《大宇宙》作曲方向的文章很多，演奏方向的文章主要关注预制钢琴细节或具体先锋派演奏法，未能上升到演奏风格的高度。传统钢琴演奏技巧与思维在先锋主义作品演奏中是如何继承与发展的，值得钢琴教学者深入研究。另外，历史上特定演奏风格的定义往往需要参考其之后风格的发展趋势。也就是说，观察钢琴演奏风格在先锋主义作品中发展到何种境地，有可能帮助人们更清晰地认知之前演奏风格的内涵与边界。
对位思维与演奏风格
先锋主义是20世纪战后西方各种创作风格的统称，包括序列主义、极简主义、织体主义、偶然音乐等流派。这些20世纪的音乐流派极力避免使用调性与和声功能元素，而更悠久的对位法则得到重视。在先锋主义早期代表作亨利·考埃尔的《马努努的潮汐》中，左手手臂和手肘演奏的无调性音束(Tone-Cluster)，在听觉上颇具先锋感。右手的旋律与左手的音束虽然不在一个调中，但形成了帕萨卡利亚式固定低音与旋律变奏的架构。演奏者重温巴洛克时期的对位式演奏思维，寻找二声部的纵横关系，有助于在功能和声之外找到音乐层层前进的源动力。
《大宇宙(第一组曲)》中的对位性元素比比皆是。第三幻想曲《金牛座》中间（谱例1）含有类似卡农的复调段落。演奏者不仅需要双手独立的诠释能力，同时要对三全音关系的双调性有足够的色彩敏感度。正是三全音的张力维系着看似松散的结构，使音乐紧张度一直保持到乐章结束。
谱例1
《大宇宙(第一组曲)》中的对位元素还经常体现在复调性单声部中。单声部暗示两个或多个声部的写法在巴洛克时期的键盘作品中非常常见。键盘乐器缺少音后变化的性能，快速的织体化演奏成为这类乐器表现多声音乐的常用形式，直到踏板功能完善。在《大宇宙》和很多先锋派钢琴作品中，踏板另有更多精确的音色作用。因此在快速段落中往往采用巴洛克托卡塔或即兴前奏曲式的大片织体跑动来展现微观的对位思维。在演奏这种段落时，演奏者对每个小音符横向的联系必须有着精确的分析。演奏先锋派作品和巴洛克作品时的冷静与理性，往往就是来自于这些“毛细血管”的支撑与牵制。
谱例2
《白羊座》(谱例2)中快速跑动的单声部具有典型的复调化思维，形似托卡塔。用20世纪“织体主义”或称“音响主义”的概念来看，这些素材可以被感知为横向的“音簇”或“微复调”。“织体主义”强调以声音的时空形态、动静关系为音乐组织发展的重要元素，而这种思路在三个世纪前巴洛克键盘作品中同样适用。在演奏巴洛克作品时，与其强调声部的旋律性与和声性，不如勾勒其装饰性与对位性。同样的，先锋主义之所以被听众认为没有旋律，正是19世纪主调音乐的听觉惯性在作祟。先锋主义作品中对位的对象是高度个性化的序列，而巴洛克时期则依靠传统圣咏或民歌，但二者的演奏风格是相通的。很多善于演奏巴洛克或古典风格的钢琴家乐于演奏20世纪音乐，原因就在于此。仅从演奏对位思维与织体元素的这个角度看，20世纪的演奏风格完成了一次回归运动。演奏先锋主义代表作品《大宇宙》时，演奏者应当认识到这种风格定位。
音色控制与演奏风格
一般讨论《大宇宙》会特别关注其在预制钢琴音色上作出的努力。然而乔治·克拉姆在先锋主义阵营中属于折中路线作曲家，他在音色方面没有其老师约翰·凯奇那样具有试验性。《大宇宙(第一组曲)》的预制钢琴在调试上简单，但在演奏时需要精确与成熟。演奏者要对包括新音色在内的整体音效负责，这要求其必须了解钢琴音色控制的本质与风格发展趋势。
钢琴音色控制的本质与泛音的多少或组成形式相关。钢琴的踏板是控制泛音变化的总开关。《大宇宙(第一组曲)》对踏板的谱面要求极端细致，包括三角钢琴三个踏板单独或同时的七种组合(P1、P2、P3、P1 P2、P1 P3、P2 P3、P1 P2 P3)，且各自进入的时机高度精确。曲目中还有不少手指踏板的开发，《天秤座》(谱例3)中竖琴式扫弦技巧的难点并非在右手，而在于左手无声下键与右踏板间的配合，进而使扫弦在和声与音色上无缝变幻。精确的踏板与手指踏板技巧，需要演奏者对音色听觉上的极致追求。这正是钢琴演奏与教学的必修课。
谱例3
钢琴音色控制的另一个核心因素，是运动模式对音色想象力的影响。在历史上，羽管键琴与管风琴需要双手贴键的左右平衡模式，而早期钢琴的强弱触键为左右不同触键提供了操作基础。这使钢琴演奏者左右手的关系从巴洛克时期线条运动模式，逐渐解放为一横一纵或互相借力的立体运动模式。18世纪末钢琴家杜塞克开始以侧面朝观众演奏，或许与左右借力的演奏运动模式相关；19世纪踏板功能的完善解放了钢琴家一侧的手臂，进而可以从帕格尼尼魔鬼般的小提琴演奏中获得音色与运动的启发。《大宇宙》中的《双子座》以拼贴手法引用的肖邦《幻想即兴曲》，提醒了钢琴演奏者可以用一横一竖的运动方式演奏，即一只手表现抽象式的扁平的纯音乐材料(早期键盘演奏的主要领域)，另一只手表现肉体化的立体的音色材料(对歌唱或管弦乐器的模仿)。《大宇宙》中几乎所有的钢琴内部的拨弦运动，都有另一只手在键盘上作支撑。如何安排左右分工和音色的比例，是演奏的难点。这不仅是对钢琴乐器音色的开发，也是钢琴演奏运动模式的新尝试。无论是按住泛音点、手指拨弦、拨片拨弦、指套拨弦，《大宇宙》的演奏本身都极具观赏性。其演奏覆盖了从感性的吉他到冷静的管风琴之间的各种音色特征与相应的演奏运动模式。音色与运动模式的结合，推动钢琴演奏家成为独奏领域的超人。先锋主义钢琴作品《大宇宙》探索了钢琴演奏的音色控制技巧与暗示手段的极限范围。
即兴与演奏风格
先锋主义作品的演奏需要精准的控制，但又往往要模拟出即兴的演奏风格。即兴演奏传统在巴洛克与古典时期存在，微小动机在节奏上临时的增值或减值在即兴中大量存在，但宏观的节拍框架仍然起作用。随着19世纪钢琴与作曲的分工细化，即兴演奏传统式微。节奏诠释与记谱法小节线的重叠使即兴元素失去了存在空间。先锋主义作品往往取消小节线，这迫使诠释者必须找到隐藏在内的节拍框架。《大宇宙(第一组曲)》从听觉上没有传统的节拍感，但其在微观上受小时值音符的控制。第八首《狮子座》(谱例4)中演奏者需要安排小时值音符组成有机的节拍框架，从而演奏出复杂的附加时值节奏。附加时值节奏非常接近即兴演奏的状态。即兴演奏风格的本质是在某种固定框架中做材料的填充，以及对框架的适度变形。先锋主义作品的演奏中，节奏与节拍往往被视为固定的框架。即兴演奏风格即属于作曲也属于钢琴演奏。《大宇宙》作品通过恢复即兴演奏的效果，激活了演奏者心中对于音乐深层逻辑的关注。
谱例4
完整的《大宇宙(第一组曲)》作为钢琴音乐会曲目，有着独特的舞台魅力。三场《大宇宙(第一组曲)》演出后，很多人索要乐谱。这证明优秀的先锋主义钢琴作品不仅具备演奏感染力，也激发人们对音乐表现手段与内容的全新思考。仅从钢琴教学方向来看，越是深入剖析《大宇宙》的演奏，越能体会到演奏风格的多样性和切换能力与演奏者对音乐创作思维的理解深度相关。钢琴演奏不仅是展示乐器的操作手艺，更要直接传达音乐创作思维与美学焦点的复杂精妙之处。钢琴几个世纪以来都是作曲家最方便的音响合成器，20世纪下半叶虽出现电子合成器，但其在实时性与细腻度上仍与钢琴存在距离。先锋主义钢琴作品是一针强心剂，重新激起了这台合成器的活力，并通过预制加料等方式为钢琴安装效果器。在钢琴上演奏《大宇宙》，仿佛可以回归以往键盘前那些伟大音乐家的身份中，那是一批作曲与钢琴演奏的全才。演奏者慢慢贴入其宽广的心灵，在无限的音乐宇宙中遨游，最终将定位于一个星座中，找到那最适合自己的演奏风格。
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