服装店低成本装修出高逼格，扛起老牌时装屋的生死大旗
服装店低成本装修出高逼格，扛起老牌时装屋的生死大旗“我正在做的，是从品牌的超现实主义基因和高定传统积淀里提取出一些元素，与我们现在所处的文化环境相融合，从而创造出一些有趣、新鲜且吸引人的东西。”1938年的星座（Zodiac）系列中，Elsa Schiaparelli与Lesage工坊合作完成的天体主题刺绣披肩（左），是她对于面料、刺绣和装饰艺术的终极结合。在Roseberry的掌舵下，Schiaparelli 2022春夏高级定制系列再次借由这款经典设计的理念来彰显手工坊巧夺天工的刺绣技艺（右），披肩转化为长袍，更为隆重而惊艳。“对于我来说，成功并不是由外界喜欢或讨厌我的作品来决定的；最高的评价应该是‘他的设计看起来和其他人的截然不同’。”从标签到签名字体，Elsa Schiaparelli用独属于自己的“Shocking Pink”定义了这个品牌，而这抹闪动着丝缎般光泽、却又醒目到刺眼的连衣裙（左图为1937年创作的手稿），在新的时代
在快速变化的时尚行业中，时装屋与设计师们进行着一轮又一轮的“抢椅子”大战，能够被大牌时装屋选中、成为一代大师的继任，无疑可以为他们带来一瞬的风光。然而回到工作室后，面对品牌厚重的设计遗产与当下时装评论人、消费者们挑剔的眼光，他们该如何发挥自己的长处，在业内快速的新老交替中站稳脚跟，带领品牌重回大众视野？《服饰与美容VOGUE》决定让当下最受关注的三位“资深”新帅Daniel Roseberry、Pieter Mulier、Nicolas Di Felice亲自现身说法，将他们的新作与品牌创始人的创意理念相对照，看看这三位在幕后默默耕耘十余年的设计们走到台前所释放的能量，启发我们关于“传承与创新”的更多思考。
Daniel Roseberry/Schiaparelli
超现实的对话
Maggie Maurer与设计师Daniel Roseberry在位于芳登广场的Schiaparelli工作室，摄影：Matthieu Salvaing。
“对于我来说，成功并不是由外界喜欢或讨厌我的作品来决定的；最高的评价应该是‘他的设计看起来和其他人的截然不同’。”
从标签到签名字体，Elsa Schiaparelli用独属于自己的“Shocking Pink”定义了这个品牌，而这抹闪动着丝缎般光泽、却又醒目到刺眼的连衣裙（左图为1937年创作的手稿），在新的时代由Roseberry加入更为夸张和戏剧化的结构性和层次感，像是2020秋冬高级定制中的“挂耳”礼服（中），百褶式的光感面料折射出更多令人震慑的设计效果，而在2021春夏高级定制手稿（右）中，粉色面料抽象为萦绕在腰间的迷离氤氲，让人着迷。
“现如今人们的眼睛接收了太多的讯息，一提到高级定制，脑海里会条件反射般地浮现一个柔美且极为女性化的形象，而我希望高级定制可以看起来更具力量感，我要做的就是挑战人们对高定的固有印象。”
1938年的星座（Zodiac）系列中，Elsa Schiaparelli与Lesage工坊合作完成的天体主题刺绣披肩（左），是她对于面料、刺绣和装饰艺术的终极结合。在Roseberry的掌舵下，Schiaparelli 2022春夏高级定制系列再次借由这款经典设计的理念来彰显手工坊巧夺天工的刺绣技艺（右），披肩转化为长袍，更为隆重而惊艳。
“我正在做的，是从品牌的超现实主义基因和高定传统积淀里提取出一些元素，与我们现在所处的文化环境相融合，从而创造出一些有趣、新鲜且吸引人的东西。”
还是在1937年，在Elsa Schiaparelli与艺术家Salvador Dalí的共同创意下，诞生了轰动时装史的“鞋型帽”（左），既是对高级时装秩序感的讽刺，也充满了戏谑的意味。在Roseberry对这一经典的再诠释中，从2020秋冬高级定制系列的手稿（中）就足以看出，高跟鞋倒置于头顶的线条更加高耸、犀利和强势。两年后的今天，Roseberry进一步将时装屋的超现实精髓引入2022秋冬成衣系列中（右），由帽饰大师Stephen Jones设计完成。
“这件骨骼裙就是我和Elsa世界的交汇之处，也是最让我感到共鸣的作品，除了她之外，没有人会以这种方式来呈现高定。”
1938年，Dalí在赠送给Elsa Schiaparelli的素描画作中勾勒出一副女性的骨骼，并附言“亲爱的Elsa 我非常喜欢‘身外之骨’这个说法”，而Schiaparelli也不负众望，打造了这件名声大噪的“骨骼裙”（左）。在2020春夏高定系列中（右），Roseberry让这些隆起的骨骼纹路华丽升级，吊带紧身连衣裙上，原本支起骨骼形状的内衬替换为外层宝石珠片的点缀，透明薄纱制成的手套上沿着手臂与手指关节的走向装饰金属材质的花朵串珠，如美丽的枝叶从骨骼中绽放。
“我常跟团队成员说，你们做的太棒了，下次还要比这个棒十倍！要知道，成为Schiaparelli的创意总监，可是个千载难逢的机会，是实现梦想的绝佳契机！所以我唯一要做的事，就是使出浑身解数全力以赴，绝不保留。”
上世纪30年代，雕塑家Alberto Giacometti为Schiaparelli创作了诸多以青铜和黄铜材质打造的配饰（左），奇妙的人像、动物甚至是肢体器官造型的纽扣，让服装的配件成为造型的焦点。如今，Roseberry也找到了属于他的那位专属“金匠”——来自法国的珠宝设计师Marine Billet，从秀场上那些夸张的金属耳朵、面具、护甲，到Bella Hadid戴上红毯的肺支气管形状项链均出自她手，无论Roseberry提出怎样不合常理的设想，她总能在冒险尝试后给出令人满意的结果。
Pieter Mulier/Alaïa
挖掘新经典
模特Felice Noordhoof与设计师Pieter Mulier在位于巴黎玛黑区的Azzedine Alaïa基金会，摄影：Matthieu Salvaing。
“我扮演的角色是如何用现代的方式告诉年轻一代的人，为什么Alaïa是个奢侈品牌，为什么Alaïa要保持它的小众性。”
Naomi Campbell身着Alaïa衬衫裙演绎美国版Vogue 2009年5月刊时装大片（左），摄影：Norman Jean Roy。而在Pieter Mulier的设计中，品牌创始人Azzedine Alaïa雕塑般的裁剪风格也被用于改良现代白衬衫，使之可以成为精致的礼服穿着，连续出现在2022冬春系列（中）与夏秋系列（右）中。
“我从一开始就想把这款腰带放在首秀中。我们找到了一种皮革，上面有像镜子一样的反光膜。我觉得这让它瞬间变得现代化了。这是我喜欢的处理方式：不要改变太多，因为它已经很完美了。只是做一些微调。”
1992年春夏系列中，Alaïa先生创作出标志性的Corset Belt（左），定义了品牌日后的迷人轮廓。这也成为Mulier上任后的首个切入点，2022冬春系列中的虹彩反光镂空腰带，延续了Alaïa先生的精神，但在激光切割技术的加持下更显科技与现代感。
“Alaïa有时候会很博物馆化，很‘私人俱乐部’，让人有距离感，甚至害怕。但对我来说，在门前办秀的这一做法显示出我们的接纳和包容。我觉得这很美好，我们并不自负，我们邀请全世界的人们来探索我们的时装屋，邀请他们迈出第一步。我也一样，站在工作室前的马路上，迈出我的第一步。”
在美国版Vogue 1986年的时装大片中，模特Christy Turlington身着Alaïa的皮质连帽外套现身街头（左），在摄影师Arthur Elgort的镜头下展现神秘与魅惑的一面。而Mulier的Alaïa首秀也选在了品牌工作室外的Rue de Moussy街头，这种标志性的地域性帽饰被赋予更多轻盈、日常的材质，与现代造型融为一体（右）。
“我们增加了衣服的弹力，让它们适合更多人穿着。尺寸方面也是，正常情况下，最大尺寸是44码，我们则是46甚至48码。如果我们热爱那些‘大尺寸女性’，就必须向所有人敞开大门。再比如，以前的衣服肩部很窄，现在我们增加了肩宽，让它更舒适，也适合更多人穿着。”
在美国版Vogue 1986年2月刊中，模特Frederique van der Wal穿着极致贴身剪裁的Alaïa礼服裙在光影下彰显性感气势，这也是品牌最具标志性的设计语言，摄影：Arthur Elgort。而如Mulier所言，他执掌下的紧身连衣裙，以针织等较为宽松和富有弹性的材质中和了品牌以往的雕塑感（右），更适合日常穿着，同时流苏的装饰也让女性线条欲盖弥彰。
“当下，‘身体’非常重要。年轻人非常开放，他们大胆，敢于尝试，这对Alaïa来说是最完美的时机。人们谈论自己的身体，接受自己原本的样子。”
从Alaïa先生到Mulier，对针织的创新尝试从来不仅限于单一款式的裁剪，自1991春夏系列推出的两件式套装（左），到2022冬春系列中风靡全球社交媒体的针织露腹裙（右），让人们看到了Alaïa这个品牌在束腰之外展露女性风姿的另一面。
Nicolas Di Felice/Courrèges
细节见真章
模特Malika Louback与设计师Nicolas Di Felice在靠近香榭丽舍大道的Courrèges工作室，摄影：Matthieu Salvaing。
“早在上任前，我已经是这间时装屋的忠实粉丝了，也有一些个人的古董收藏，所以我已经熟悉了它的制作和结构。但我也希望设计一个真正的衣橱，为每个人的日常穿着服务。”
美国版Vogue 1968年2月刊中对Courrèges新系列的评价：“你所想看到的都在这里，干净、明快，还有赋予生命力的色彩。”摄影：Arnaud de Rosnay（左）。而在Di Felice的演绎下，细节总是他强调的核心，一如既往的白色简约外套（右），一丝不苟的材质与边缘处理，重新让60年代的设计成为新经典。
Courrèges标志性的白色无袖连衣裙（左），由Bert Stern拍摄，1969年刊登于美国版Vogue。半个多世纪后，褪去了金属质感的配饰，这件经典之作由Di Felice经过材质的拼接焕发新生——弹性针织与皮质的结合，舒适又挺括（右）。
“André Courrèges真的想把他的时尚带到街头。那时候几乎每个人都在谈论他——关于未来、关于太空时代。但太空时代并不只是一种趋势。他是一个充满激情的人：他只是想做出给女性穿着的衣服。”
在André Courrèges的设计中，即便是放眼太空和未来，其单品的材质和理念也都非常亲民，适合在日常单独穿着的短款夹克、针织衫、长靴，通过基本款构建了对未来的想象（左）。而Di Felice也是如此，将典型的Courrèges通过现代审美和造型加以重组，打破所谓“未来感”的命题。
“Courrèges不是每一季都变，有些东西保持不变。我看到很多人的Courrèges单品都是从他们的母亲或祖母那里得到的，你永远不会把它们扔掉，我认为这是环保最好的方式。我们开发了一种新的环保乙烯基，将回收的生物基聚氨酯的含量提高到70%，棉纺织品也是以可持续方式生产的，而这种面料的创新最初是Courrèges在70年代创造出来的。”
1976春夏系列中的交叉系带连衣裙（左），在2022春夏系列中以全新的可持续环保乙烯重新演绎（右），细节上加入几何式镂空，配色上趋向于Di Felice钟爱的自然天空。
“Courrèges的风格直截了当、尖锐、精确、几何形状、标志性的面料。这很简单，但很激进，当我开始接手这个品牌时，我觉得这些特征都很重要。”
从Kellie Wilson身穿的Courrèges 1969春夏高级定制系列（左一）和1969秋冬高级定制系列（左二）可以看出André Courrèges先生对于几何造型与金属配件的痴迷，但如何在当下让这些先锋设计的精神与现代着装相结合，Di Felice将几何装饰转化为镂空（右），并在此基础上创造出全新的穿脱方式，不失为一种新的未来主义。
“我认为让Courrèges与今天紧密相连的一种方法，是尝试制作在明天不会过时的衣服。即便是试图讲述一个故事，也要牢记，Courrèges的作品是立足于永恒的……”
Courrèges 1965春夏高级定制系列，以棋盘格为灵感的时装设计曾引起轰动（左）。在2022秋冬系列中（右），Di Felice让品牌档案中这一看似荒诞的设计成为披风式的存在，结合银色反光面料重新构筑基本款时装的廓形。
从Daniel Roseberry、Pieter Mulier、Nicolas Di Felice的设计中我们不难发现，时尚行业老生常谈的“传承与创新”并非截然对立，而是一种站在巨人肩膀上的再创作与再诠释，他们不约而同地接续了各自前辈的经典，但选择了截然不同的路径去感受、思考这些经典设计存在的意义与价值，在精益求精的过程中找到自身的定位与角色。你如何看待这些老牌时装屋的新任创意总监们的作品？这些在继承经典的基础上创作的设计有没有令你眼前一亮？你又希望谁能够加入那些尚未被“唤醒”的经典品牌，欢迎在评论区留下你的见解。
