复星艺术展（从奥培个展开始）
复星艺术展（从奥培个展开始）马太快?那来点笃悠悠的鱼▼当然，除了人，换一群马儿跑跑也不错▼绝大多数人是被这些移动的人“圈粉”的▼四人不够?那来更多一点▼女儿才是最美的模特▼
朱利安·奥培中国首展现场 图为复星艺术中心外景
3月28日，朱利安·奥培中国首场个展亮相复星艺术中心。作为复星艺术中心的开幕首展，展览覆盖了艺术家50余件作品，涉及绘画、雕塑和装置，全面展示奥培对肖像的探索，以及对建筑、环境和景观的持续推进。
复星艺术中心开幕首展 奥培国内“首秀”
或许你会问，朱利安·奥培是谁?
绝大多数人是被这些移动的人“圈粉”的▼
四人不够?那来更多一点▼
女儿才是最美的模特▼
当然，除了人，换一群马儿跑跑也不错▼
马太快?那来点笃悠悠的鱼▼
趁你还没看花眼，雅昌君先说一句，这远不是朱利安·奥培的全部。
他的人生才是“开挂”的。
奥培1958年生于伦敦。他的父母都是“高知”——母亲是牛津大学的教师，父亲是名经济学家，曾在1970年在BBC主持过《The Money Programme》。或许是这个原因，少年时期，奥培在牛津度过。14岁时，奥培疯狂地爱上画画，但他不愿考艺术学院，觉得那是loser才做的事。最终，母亲说服了他。1982年，奥培毕业于伦敦大学金史密斯学院，在校期间，师从于《一棵橡树》的作者迈克尔·克雷格-马丁，以及2011年授勋的英国雕塑大家理查德·温特沃斯。
1983年奥培首场个展图片(图片来源：里森画廊)
奥培很幸运，毕业后一年，位于马里波恩的里森画廊为他举办首场个展。当时的展览为期一个月，现只留下一张黑白照片。照片显示，奥培模拟了一系列科技设备，作品带有明显的时代属性，却很难关联到我们熟悉的他。
作品《H》(1987年)是一件大型的墙面雕塑，其外形神似空调或取暖器 ©朱利安·奥培(图片来源：TATE官网)
作品《风景?》(1989)是一组丝网印刷作品中的其中一件 ©朱利安·奥培 (图片来源：TATE官网)
朱利安·奥培在1991年创作《CA 78-224》(图片来源：里森画廊)
之后，奥培开始做一些涂漆的金属雕塑，或是形似电视机和空调的装置，奥培总结八十年代的创作时说，在后现代主义时期，每一位艺术家都在选择一种风格，这种选择，就好比选一种颜色去绘画。与此同时，他的作品逐渐转向讨论公共空间与人们的关系。1991年，早期代表作《CA 78-224》问世，标志着这类转向进入下一个阶段。在那场展览上，奥培在一面展墙上固定了三个白色的空间，每个空间留出一人的空位。“人们是否会走进去呢?”他问。
作品《想象你在开车》(1998)是一组丝网印刷作品中的其中一件 ©朱利安·奥培 (图片来源：TATE官网)
作品《汽车?》(1998)是一组丝网印刷作品中的其中一件 ©朱利安·奥培 (图片来源：TATE官网)
上世纪九十年代起，楼宇、汽车、跑道、树等意象反复出现在奥培的作品中，并保留至今。奥培使用过滚轮上色，也只做过丝网印花或雕塑。这些作品颜色——无论是明亮的蓝，鲜艳的红，嫩草的绿，还是高耸大楼的烟灰和白，都很难看到奥培感情的注入。奥培告诉雅昌艺术网，虽然他画日常物，但并不是抱着写实的心态，而是以概念先行，将它们视为一种隐射环境的符号“在公共环境中，人如何参与进去?”他自问。其实，奥培和他的老师迈克尔·克雷格-马丁一样，是一名色盲患者。“如果你示意一种颜色，我无法叫出它的名字，但我能清楚地分辨它和其他颜色的差别，哪怕很微小。”
九十年代，画汽车、画动物、画建筑的奥培开始想：“我为什么不画人呢? ”
这离我们了解的那个奥培越来越近了。
奥培笔下的人物简洁，有些甚至没有五官，只以简单信号区分年龄和性别。这得益于《丁丁历险记》之父埃尔热对他的影响。“他几乎像是用写作的方式去描绘所有事情、描绘脸。这感觉很真实，但也很标志性。于是，我各种寻找这种语言——比如，‘穿戴头盔’的安全标识图像、‘不要把你的脚放在车上’的警示牌、或者是卫生间的男女标识。这些符号很简单，却好辨认，因为你认识你自己。如果你是男人，你会知道说的就是自己，女人也一样。所以，简单的符号也有进一步的可能性。”奥培告诉雅昌艺术网。
朱利安·奥培为英国乐队Blur设计的《The Best Of》专辑封面 ©朱利安·奥培
2000年，奥培为英国乐队Blur设计《The Best Of》专辑封面，成为音乐史上最知名的专辑封面之一。如今，这件作品被英国国家肖像馆收藏。奥培在音乐界的造诣不仅于此。2006年，他为U2的Vertigo全球巡演友情创作了LED投射装置作品;2007年，他完成了面朝四方的LED雕塑装置“安在跳舞”，它是“2010年印第安纳波利斯文化足迹”里展出的第一件艺术品。
是的，成熟驾驭人物后，奥培开始让作品中的一切动起来。鱼在水中游，鸟在天空飞，不再是绘画或雕塑给我们带来的想象，它们真实存在，并在我们眼前，周而复始地运动下去。
有趣的是，奥培完全不是技术控。他将这种动态称为“动的绘画”。直至今日，奥培很少拍摄肖像照，并且，他并不喜欢强调作品和观众的互动效应——即使，他因动态作品被更多人所知。
“常有人和我说，你可以加大作品的互动性，比如观众一走过作品，其中的鸟儿就转变了方向。我真的不喜欢那样，它会让我觉得是一种游戏。艺术不需要被观众改变，艺术只要在那里就好。”说这句话的奥培，流露出典型伦敦人的骄傲，和作为艺术家的坚持。
“艺术是严肃的。(Art is boring.)”他说。
朱利安·奥培中国首展展览现场
在此次奥培个展上，主要作品分布在复星艺术中心二、三楼空间。其中，二楼主要描绘都市景观，除了耳熟能详的都市男女“跑跑跑”、真人比例相同的人形雕塑，奥培也重新回归90年代对楼宇的表达。不过，这一次，他想表达的不是观念，而是现实。“过去几年，我常来亚洲——香港、台湾、上海、首尔，我发现，从窗外看去，哪儿都是高楼，和伦敦、纽约没什么差别。”在新作中，他想传达的，是楼宇代表的普世符号。
朱利安·奥培中国首展展览现场
三楼呈现的是一批“无人出没”的风景作品。山川、河流、夕阳、泛舟、游鱼、奔马，一个个看不到头的隧道，一片片由月光笼罩的大地……在这里，奥培回归了对自然最质朴的渴望。无论是连绵起伏的山峦，河床或是香港的海港，作品中所有难忘的细节已被清空，唯独只有景观自身的本质部分。而奥培动画电影中那些微妙、重复的动作——疾驰的马匹、摇曳的树木或是沿着无尽小路和盘旋隧道的路程— —则为观赏者带来催眠般的体验。另外，乙烯基制作的竹林，几排绵羊雕塑和通过挂毯与显示器描绘的田野鸟瞰图，再现其漫游世界的瞬间。
“伦敦是个激发工作灵感的地方，但我也有想逃离它的时候。我喜欢旅行。旅行中，我们对事物的敏锐度都会放大。当你坐在火车上，你看着窗外不熟悉的大地，有些画面能让人产生强烈的情绪。于是，我拍一张照片，我画一张画，我不知道为什么这么做，但一个抽象的画面已保存在我的脑海。”奥培说。
“本次朱利安·奥培的展览，正是他上次访问上海、访问外滩的灵感呈现。”复星艺术中心基金会主席王津元说。“我第一次看到Julian Opie的公共艺术作品是在伦敦的SOHO区。那是在一条步行街的正中间，电子屏上的时髦女郎仿佛在一条传送带上行走，自信洒脱，旁若无人，没有起点，也没有终点。我当时坐在离她不远的露天咖啡座，看看虚拟的她，看看周围来来去去的真实路人，在难得的好天气里晒晒太阳。一切都是合拍的，好像正在触摸到伦敦城市脉搏的节奏。那是一个让我印象深刻的完美下午。”王津元撰文回忆。
复星艺术中心外景（图片来源：复星艺术中心）
复星艺术中心携手香格纳画廊推出首个对外公开展示的展览“20”复星艺术中心外景（图片来源：复星艺术中心）
电影 游戏 音乐 艺术 复星的文化版图
全新开幕的复星艺术中心背靠复星集团，后者创立于1992年，是国内一家大型的复合型投资企业，“复星系”涉及领域包括地产、医药、能源、文娱等。复星艺术中心选址于外滩金融中心(BFC)地块，该地块涵盖酒店、商场、办公楼，是城市综合体建筑群。据王津元表示，在此块区域规划时，就有要做艺术中心的想法。“可以说，这不仅仅是我们的愿景，也是响应了政府的规划。”她说。
复星艺术中心的建设，标志复星全面涉足艺术领域。该实体空间由英国建筑设计事务所Foster Partners和创意顾问Heatherwick联合设计。在复星艺术中心的筹备期间，复星基金会(原名复星公益基金会)开始涉足艺术投资领域。据复星集团公布的数据显示：“复星基金会于2012年9月成立，注册资金为1000万元人民币。2013年，基金会资助各类项目44项，共计金额2158万元人民币;2014年也已累计捐赠3000余万元人民币。”
“我们是先有艺术中心这样一个实体建筑，再将艺术投资纳入基金会中的。”王津元告诉雅昌艺术网。据悉，日本艺术家宫岛达男的装置《Counter Sky Garden数字空中花园》是复星基金会最早的艺术藏品之一。该装置由300盏不停闪烁的LED数字灯组成，数字从9到1周而复始变化。
去年12月，还在试运营期间的复星艺术中心，联合香格纳画廊推出群展“20”，参展艺术家均在当代艺术界有重要的一席之位。对此，王津元表示，复星艺术中心不止举办展览，它还将作为一个平台，有机会与世界一流的文化、艺术机构合作，推出一系列活动。资料显示，2015年9月18日，在首届“林肯中心全球交流大会”上，复星基金会与林肯艺术中心签署战略合作协议，共同合作推广林肯中心全球交流项目，将国际领先的文化艺术资源带到中国。除此之外，2015年4月，复星集团联手TPG Capital收购了“加拿大国宝”太阳马戏团。目前，复星与太阳马戏团在中国的第一个项目还在进一步规划中。
复星艺术中心（图片来源：复星艺术中心）
事实上，除了近两年涉足的当代艺术，复星集团的文化版图正不断扩容。
2013年，复星以每股普通股10.4美元的均价，购得博纳影业200万份普通股股份，交易完成后，公司拥有博纳影业6.4%的股权。当时，博纳影业是国内第一家在美国上市的中国影视公司。2014年，复星又从博纳总裁于冬手中购得博纳影业13.3%的股权。博纳回归A股后，复星继续增持至20.8%，成为了博纳的二股东。
另外，2014年秋，复星开始控股Studio 8，后者是一家创立于好莱坞的小型公司，创始人是好莱坞传奇制片人杰夫·罗宾诺夫。罗宾诺夫曾任华纳兄弟影业总裁，在管理层供职长达17年。他曾主导《蝙蝠侠》三部曲、《盗梦空间》、《哈利·波特》系列等巨制大片。
值得一提的是，李安新作《比利·林恩漫长的中场休息》的国内发行方为博纳影业，而Studio 8是影片的制作方和出品方之一。
此外，复星集团在2014年7月，宣布与上海电影集团联合成立上影复星文化产业投资基金，计划以此为平台，在影视制片、发行、放映和衍生品开发等领域展开深入合作。
电影之外，复星还涉足音乐领域。2015年9月30日，复娱文化在投资公告中表示：“已购买了天堂硅谷持有的摩登天空1.9947%的股权，购买资产价格为1500万元人民币，未来，复娱文化还将追加投资至30亿。”2015年12月，摩登天空召开新闻发布会，宣布其 1.3亿元的B轮融资已完成。
去年3月，复星首次投资二次元文化：有消息指出，次元文化获复星昆仲资本A轮数千万投资，融资后估值超两亿人民币。
从上述不完全数据可见，在过去4年里，复星已涉足电影、音乐、文艺等多个板块。而此次复星艺术中心的全新开幕，将是其涉足当代艺术的重要举措。
下面，我们听听艺术家朱利安·奥培和复星艺术中心基金会主席王津元怎么说：
Julian Opie. Julian. 2014. Mosaic tiles （ ©朱利安·奥培，鸣谢里森画廊）
雅昌艺术网：您生于伦敦，长于牛津，却又回到伦敦上学，并一直待到现在。这二十年来，您眼中的伦敦发生了哪些变化，还有哪些部分保留至今？
朱利安·奥培：我不知道世界上还有哪里能像上海变化得那么快。我从上海回到伦敦以后，发现它真是小而可爱，房子都小小的，沿街有很多小店，这种亲密感，在上海、特别在原法租界区域是很少有的，当然这只是相较而言。我自1987年搬到现在的工作室，那里是离伦敦市中心很近的工业区，靠近河边。我刚搬来那会儿，人很少，尘土飞扬，房屋破旧，路边除了停了一些车子之外没有什么建筑。现在，那里已是伦敦的中心，每晚有很多年轻人喝酒、享受夜生活，周围也有很多新盖的房子。你可以说，当地人的生活已因商业开发而改变了，这或许也是一种损失，但你也可以将它视为增添了区域功能性的建设，这未尝不是一件好事。当然，我不是建筑师，不是城市规划师，也不是政治评论员，这只是我的感受。我也会离开城市，去乡间旅行，但伦敦，的确是个激发工作灵感的城市。
雅昌艺术网：您是迈克尔·克雷格-马丁的学生，他对您带来哪些影响？
朱利安·奥培：对于很多年轻艺术家而言，重要的不是在学校学习画什么、怎么画，而是找到自己的方法。克雷格-马丁让我找到了我自己，所以他是非常棒的老师。他不会把自己的观点灌输给任何学生，而是鼓励我们找到自己绘画的方式。我后来做过克雷格-马丁的助理，我们有很多共同点，比如，我们都是色盲。如果你指给我一个颜色，我可能说不出它的名字，绿色、紫色、还是灰色?我不知道，但我可以很清楚地分辨它们，我对颜色的明暗非常敏锐。
我之所以坚持创作的原因，是想表达“我是谁”。几十年前，当你告诉别人自己是艺术家，人们会问，你画的是什么风格?这是一种老旧的观念，直至今天都存在。风格是在教科书上总结的，它不是艺术。艺术是由个体——莫奈、杜尚、安迪·沃霍尔等不同艺术家创造的。
朱利安·奥培1980年代作品(图片来源：里森画廊)
雅昌艺术网：上世纪八十年代，您开始从事艺术创作。初期做了一些形似家具的墙上装置（电视机、空调等），整个时代对您早期作品有何影响？
朱利安·奥培：当时，整个文化界进入后现代主义风潮。我们这一代有了浸润在文学和音乐的海浪里，古典乐、爵士乐、流行乐，只要你喜欢，都是能够被包容的。这时，艺术家开始选择自己喜欢的“风格”进行创作——五十年代绘画、达达主义绘画等，这就好比选择某种颜色一样。在那个时代，我也如此。
雅昌艺术网：讲到音乐，您曾为Blur乐队设计的专辑封面（2000），荣获次年CADS音乐周最佳插图奖，那件作品是如何促成的？
朱利安·奥培：我一直对用不同方式来呈现艺术感兴趣。我做过很多项目，比如在大楼外墙上绘画、做邮票设计和T-shirt设计，但当我知道要为Blur设计专辑封面，我依然非常兴奋。因为，专辑的记录和照片，是伴随着每个人一起成长的、非常重要的文化，而且，音乐领域要远远大于当代艺术，它可以让我的作品让走到世界各地，让更多人知道。设计这件作品时，我想把它和我平时绘画联系起来，形成统一个人符号。
上世纪九十年代 朱利安·奥培创作了一系列楼宇作品 ©朱利安·奥培 (图片来源：TATE官网)
朱利安·奥培中国首展展览现场 图为艺术家新创作的楼宇作品
雅昌艺术网：让我们先回到上世纪九十年代。当时，您创作了一系列和公共空间相关的作品，比如办公室大楼、比如做一个白墙空间，其中设一条走道，让公众穿越。这次展览上，我们也看到关于楼宇的作品。新作和旧作的出发点有什么不同？
朱利安·奥培：房子、风景、奶牛、车……我少年时代旧开始画这些，但随着经历的不同，处理的方式和出发点是不一样的。上世纪90年代，这些作品是基于一种相对抽象的想法或观念，所以你看到大量的灰色、白色、黑色——颜色不是重点，我想通过展览来表达“环境”。而这些新做的高楼，是反映现实生活的，它更接近于生活中的实体建筑。前一阵子，我在墨尔本待了一段时间，忽然想做一些作品来反映真实的世界。因此，我重拾1990年代的“楼宇”主题。你可以看出，它们更高，表面的窗户更密集，也更写实：如今，我们从窗外看，除了房屋，已经没有别的了。而且，高楼成为一种普世的象征。楼宇不仅遍布伦敦，也在亚洲、乃至全世界。
Julian Opie. Tunnel. 1. 2016 （ ©朱利安·奥培，鸣谢里森画廊）
Julian Opie. Traffic. 2016（ ©朱利安·奥培，鸣谢里森画廊）
雅昌艺术网：您有不少描绘告诉公路和隧道的作品，有的静止，有的运动不息。它就像人生的跑道，我们永远在奔跑，直到回归尘土。当然，这是我的感受。您的出发点是什么？
朱利安·奥培：最早在做这类作品时，我在接触赛车单机游戏，这是大多数人接触电脑和电脑游戏的开始，就好像我们后来玩模拟飞行一样。这种高速的视觉感受让我印象深刻。
要回答你的这个问题，我们得追溯艺术史。东方的风景画——如19世纪浮世绘艺术大师安藤广重，往往通过作品来勾勒一个故事。我们脑海中总有这样的场景：高山流水，鸟儿飞过，惊起涟漪，我的作品《庙》就是从奈良回来后创作的。另一方面，我很喜欢荷兰画派，当时的风景画不再是服务权威和教会，而是真正地表达了每一个人的感受。去年，我在法国中部待了一段时间，所以用俯瞰的视角创作了一些绿意盎然的作品。
我觉得，当你在做一件作品时，你不是在“选择”做什么，而是“追随”着一场旅程。我们往往通过视觉、味觉、听觉、嗅觉和触觉来了解事物。但我们触及的都是“信息”，这些“信息”最终会经过大脑，输出一种抽象的“感觉”。因此，在一件好作品里，始终存在一个通道，它连接着观众，让他们能走进来，漫步其中。或许，我们平日太忙了，无暇顾及其他。但是，总有那么一刻，你会因为一个画面，一个场景，而产生强烈的感觉，最终，它让你发现了心中世界。
Julian Opie. Necklace man. 2016. Vinyl on wooden stretcher（ ©朱利安·奥培，鸣谢里森画廊）
Julian Opie. Ian and Harriet. 2. 2016. Vinyl on wooden stretcher（ ©朱利安·奥培，鸣谢里森画廊）
Julian Opie. Joggers. 3. 2015. Vinyl on wooden stretcher（ ©朱利安·奥培，鸣谢里森画廊）
雅昌艺术网：是什么契机，让您的作品中出现了人物？
朱利安·奥培：我在最初做作品的时候，想要把所有的东西放在一边，只去研究我想要做的事。 因此，我需要回到更基础的水平，不要画太复杂的人物。 直到上世纪90年代，我画汽车、画动物、画建筑物，我想，为什么不包括人呢? 于是，开始了新的方向。
我在十几岁的时候，找到了画肖像的方式。 我看了埃尔热的《丁丁历险记》，我喜欢他的绘画语言，他几乎像是用写作的方式去描绘所有事情，包括脸。这感觉很真实，但也很标志性。
因此，我在图形上、街道上发现了这种语言。比如，“穿戴头盔”的安全标识图像，或是“不要把你的脚放在车上”的标识牌，还有卫生间男女示意图。虽然它们很简洁，但你绝不会认错，因为你清楚地了解自己。于是，我拿着男人和女人的图像，对照着一个朋友的照片，把他们放在一起。 它看起来像我的朋友，但它仍然是那些通用的图像。我希望人们能够感受到某人的具体特征，同时也感觉像是每个人都有的一个标志。 所以我开始研究这些想法。 我要做一个标志。就像一个大公司的标志。当然，我认为我也可以为每个人找到独特的标志。 我常常坐在火车上，看着对面的人，想象着他们的标志。 但是为了做到这一点，我需要一种通用的语言，为每个人改变它们。 我想，我现在已经画了数百人。 当然，那并不是所有人。 理论上，这个项目将继续让所有人拥有标志。
Julian Opie.River. 2016 ©朱利安·奥培
Julian Opie.Temple. 2016 ©朱利安·奥培
雅昌艺术网：后来，您是怎么想到让作品动起来？
朱利安·奥培：我当时正在画站立着的人物。我让我妹妹的一个朋友走在机器上，然后我拿了一台相机把这个动作记录下来。 我一直都在做动画。对我来说，运动的图像是自然的。 静止图像相对而言比较不自然，这更像是一个停止运动的决定。你在世界上看到的一切都在非常缓慢、快速或非常快速地移动着。运动是一个自然元素。我从一开始就想过尝试动态，不过， 直到上世纪90年代，电脑才有声地展现出一段移动的图片。因此，那时我开始真正尝试。
如果你问，如何确定动的方式和方向？这还是基于我的观察。比如，我看到一群绵羊穿越草原后，会先在脑海勾勒一个抽象的画面。我可能用一张照片或绘画来记录当下，等回到工作室，我会和我的团队一起构想，羊越来越多，它们朝哪个方向运动，如何运动等。
雅昌艺术网：您如何看待技术对于艺术的推动力？
朱利安·奥培：我知道不少艺术家觉得最前沿的技术很难掌握。不过，我对技术本身不感兴趣，我感兴趣的是我看到的世界。比如，马赛克是建筑领域最早装饰物之一;我们这一代曾因电视机的普及而带来巨大影响;后来，LED屏幕作为播出广告和信息的载体出没于城市各个角落，我能看到世界正因技术革新而改变。但是，我并不喜欢使用技术达到过于互动的效果。有人说，你或许可以做互动装置，比如人一路过作品，里面的鸟儿就朝其他方向飞。但我真的不喜欢这样，一旦人们和作品“玩”起来了，它就成了一场游戏。我认为，艺术是严肃的。艺术不需要为观众改变，艺术只要“在那里”就好。这可能会让观众难以理解，他们会问，作品没有互动、没有解释，我该怎么办?没关系，你只要看。艺术会和你建立一条安静的纽带，作品中树在摇晃、鸟儿在飞，这一切，都成为永恒。
对话王津元
复星艺术中心基金会主席王津元
（图片来源：复星艺术中心）
雅昌艺术网：复星艺术中心的缘起是?
王津元：复星艺术中心属于外滩金融中心(BFC)地块，该地块是一个城市综合体建筑群，涵盖酒店、商场、办公楼，在区域规划时就有要做一个艺术中心的想法，可以说，这不仅仅是我们的愿景，也是响应了政府的规划。复星集团曾经没有做过艺术中心，所以我们想趁着这个机会，建立一个平台来做艺术相关的工作。
雅昌艺术网：复星艺术中心的定位是什么?
王津元：复星艺术中心的地理位置很独特，它在外滩，风景很好，人流量比较大，它是面向一个公众的所在。所以，我们希望吸引更多的人流来到这个地方。除了展览，我们会有一些表演性质的活动，因为我们跟纽约林肯中心也有合作。他们会带一些表演项目过来，到时候，在我们艺术中心内部，或者外面广场，都会有一些表演项目的呈现。
雅昌艺术网：在选择艺术家群展或个展方面，复星艺术中心有哪些独特的考量?
王津元：复星艺术中心有独特的企业背景，所以和完全做一个独立的美术馆的定位是不同的，我们更偏向公共艺术方面。我们会选择和公众互动性强、作品比较能让大家接受和理解的作品。
雅昌艺术网：复星基金会和复星艺术中心是怎样的关系?
王津元：在艺术方面，我们是先有艺术中心这样一个实体建筑，再将艺术投资纳入基金会中的。我们的基金会原来叫复星公益基金会，已成立很多年，主要做慈善工作，资助如自然灾害、疾病发生等一系列突发事件，我们也支持一些偏远的学校，在正式将当代艺术纳入基金会范畴前，我们长期资助上海交响乐团。
在有了复星艺术中心后，我们把复星公益基金会更名复星基金会，加入对艺术的资助。复星艺术中心下面有个复星艺术中心有限公司，来具体运作这样一个艺术中心。这个公司是属于复星基金会下面的一个公司。
雅昌艺术网：目前，复星集团有哪些艺术收藏?
王津元：我们收藏了宫岛达男、丁乙、刘韡的作品，这些藏品都是可以流动的，因为复星集团在全世界各地都有地产项目，包括旅游和酒店，这些项目都需要公共艺术品的展示，我们的藏品在整个集团范围内可以做很多运用和配置。藏品这块，我们在大约6年前就开始慢慢计划，但没有一下子买很多，而是不断地去熟悉市场，找到自己的定位。我们会有绘画、装置和雕塑，也可能会邀请艺术家为空间创作作品。
雅昌艺术网：您认为，作为一个复合型投资的企业，复星集团将艺术纳入基金会投入范畴，并且开设艺术空间，对企业来说有哪些意义?
王津元：从公司内部来讲，艺术塑造了企业文化。自从复星艺术中心要做第一个展览之后，我们发动网上报名，来征集志愿者，结果发现公司里有很多人来报名，大家都会觉得，这是本职工作之余能贡献一点自己的力量，或者是了解一些新的事物的窗口。所以，我认为，艺术中心复星集团而言，是一个文化的窗口。
从外部来讲，复星集团现在投资很多跟老百姓息息相关的产业，我们投资保险、医疗、旅游和时尚品牌。但对于公众来讲，艺术也是其中的一个门类，因为我们之前也有涉及。我们集团内部有文化事业部，我们投资演唱会、音乐节，如今，这个艺术中心，更加完善平台，把这些文化资源我们能够整合在一起。从外部形象来讲，也是一个企业名誉度的一个提升。
（实习生邱洁对本文亦有贡献）
作者：彭菲
编辑：张丽敏
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