全球十大巅峰艺术家（盘点将装置艺术推向极致的十大艺术家）
全球十大巅峰艺术家（盘点将装置艺术推向极致的十大艺术家）《分裂》 (Splitting)，1974马塞尔·布罗德塞斯（Marcel Broodthaers）是比利时诗人、电影制作人和视觉艺术家，在创作艺术作品方面具有高度的文化素养并酷爱使用诙谐的方法。在1963年底，他决定成为一名艺术家并开始创作。从1968年9月27日到1969年9月27日，比利时诗人变身超现实主义艺术家并经营着一座博物馆，即Musée d'Art Moderne（1924-1976 年）。这个博物馆，或者更确切地说，艺术装置，发生在他在布鲁塞尔的家中，由几个不同的元素组成；其中有明信片、梯子和许多空板条箱。他的Musée d'Art Moderne对艺术的真实性以及艺术和博物馆在社会中的作用发表了半开玩笑的声明，最终以不同的形式前往其他地方。从而将学生抗议的力量（在此期间构思了装置）带到了整个欧洲。草间弥生，无限镜室 ，1965自1965一直以来，草间弥生
装置艺术通常是指在特定地点，偶然发生在公共空间内的一种艺术表达方式。装置艺术这种艺术流派的界限自诞生以来就非常模糊。尽管装置艺术千差万别，但最好将其视为旨在改变观众对空间感知的三维作品的总称。有时是临时的，有时是永久的，装置艺术品被安置在从艺术画廊和博物馆到公共广场和私人住宅的空间中，并且经常将观众包围在一个包罗万象的环境中或作品本身的空间内。随着极简主义和概念艺术的发展，装置艺术主要在二十世纪下半叶发展起来。最终在装置中，想法和经验比完成的作品本身更重要。看看下面的艺术家，他们都为关于装置艺术及其应该如何定义的对话做出了独特的贡献。
1.库尔特·施维特斯（Kurt Schwitters，1887–1948）
库尔特·施维特斯，汉诺威梅尔兹堡，1933 年
作为欧洲达达主义重要的艺术家，库尔特•施维特斯(Kurt Schwitters)自创了Merz艺术的概念，即“在艺术创作中使用任何想到的材料”。线条、木材、车轮、包装纸、印刷品.......任何日常生活中的物品与材质都有可能是施维特斯信手拈来加入作品中的元素。
20世纪的达达主义艺术家库尔特·施维特斯（Kurt Schwitters，1887-1948 年）最终将自己的艺术工作室变成了一个拼贴艺术装置。他的工作室装置，名为Merzbau，源于一个艺术过程，施维特斯将其解释为一种哲学和一种生活方式，称为“ Merz ” 。Merz是一个无意义的词，艺术家用来描述他自己、他的生活和他的工作，这意味着他的Merzbau本质上是他的Merz建造的。多年来，他的工作室采用步入式拼贴画的形式，不断变化和不断增长，由柱子和发现物体的石笋组成。随着时间的推移，施维特斯逐渐发展了他的Merzbau，最终从大约 1923年到1937年前他在汉诺威的家中住了八间房间，当时他被迫逃往挪威以逃离纳粹德国。到 1943 年，当他仍在流亡时，梅尔兹堡被盟军轰炸摧毁——有效地使施维特斯的生活特定地点的艺术品也具有特定时间。
2.草间弥生（Yayoi Kusama）
草间弥生，无限镜室 ，1965
自1965一直以来，草间弥生 (Yayoi Kusama) 的“无限房间系列”凭借其突破性的“无限镜子房间 - Phalli's Field ”持续引起人们的注意并极具标志性。通过利用镜子作为墙壁，草间弥生能够将她早期作品的重复转化为一个艺术装置，一个看似无穷无尽的房间，铺着圆点花纹织物阴茎结构。自1965年以来，她创造了20多个独特的无限镜室，观众从外到内观看的窥视式让人联想到的盒子，到充满内部镜像充气波尔卡圆点的大型多媒体装置。可以说，最受博物馆社交媒体影响者喜爱的就是草间弥生的光线充足的装置，例如Infinity Mirrored Room——永恒湮灭的后遗症，有数百个悬挂的灯笼，铺满水。通过利用镜子的魔力，她的作品能够欺骗感官并创造出诗意，以表达我们最还原人类的反应，为存在主义的沉思创造环境。
3.马塞尔·布罗德塞斯（Marcel Broodthaers1924—1976）
现代艺术博物馆，老鹰部，人物部分，杜塞尔多夫艺术馆，1972 年
马塞尔·布罗德塞斯（Marcel Broodthaers）是比利时诗人、电影制作人和视觉艺术家，在创作艺术作品方面具有高度的文化素养并酷爱使用诙谐的方法。在1963年底，他决定成为一名艺术家并开始创作。从1968年9月27日到1969年9月27日，比利时诗人变身超现实主义艺术家并经营着一座博物馆，即Musée d'Art Moderne（1924-1976 年）。这个博物馆，或者更确切地说，艺术装置，发生在他在布鲁塞尔的家中，由几个不同的元素组成；其中有明信片、梯子和许多空板条箱。他的Musée d'Art Moderne对艺术的真实性以及艺术和博物馆在社会中的作用发表了半开玩笑的声明，最终以不同的形式前往其他地方。从而将学生抗议的力量（在此期间构思了装置）带到了整个欧洲。
4.戈登·马塔·克拉克（Gordon Matta-Clark，1943-1978）
《分裂》 (Splitting)，1974
戈登·马塔-克拉克（Gordon Matta-Clark，1943-1978）被公认为 20 世纪 70 年代纽约艺术界的核心人物。 他生于纽约，其父是智利超现实主义艺术家罗伯特·马塔（Roberto Matta），其母则是美国艺术家安妮·克拉克（Anne Clark）。 1962至1968年，他于康奈尔大学修习建筑；大学期间，曾前往法国学习法国文学。 同样是在康奈尔，他还结识了大地艺术家罗伯特·史密森（Robert Smithson），并深受其启发。 毕业后重返纽约的马塔-克拉克开创了一种激进的方法，直接参与到城市环境及其内部社区进行艺术创作。
1974年的艺术装置《分裂》 (Splitting )深刻理解建筑作为反映主导社会结构的重要性，这是一次城市抗议活动。从1974年3月到6月，他使用链锯有效地将他的经销商Holly Solomon收购的由于土地投机而计划拆除的新泽西州房屋一分为二。在前任业主突然被驱逐后，马塔·克拉克对他们匆忙留下财物感到震惊，这促使他将自己的分裂记录在案从房子的内部向外通过电影展示。这部电影展示了家庭空间的碎片化，光线和空气通过建筑物中巨大的建筑裂缝渗入房间，唤起了他自己和家庭的普遍解体。这部电影及其后续的书籍、照片和草图提供了该事件的记录以及作品本身的表演和部分作品，而他的“无建筑”实践的元素，包括大型建筑碎片和其他碎屑，有时被展示为画廊和机构空间中的装置。
5.朱迪·芝加哥（Judy Chicago）
晚宴，1974-79，布鲁克林博物馆
朱迪·芝加哥(1939- )是历史上伟大的女性艺术家和女权主义作家。作品《晚宴》艺术装置是由一个巨大的三角形宴会桌组成，桌子上有 39 个位置。三角形的每一边有13个设置，代表传统女巫聚会中出现的数字。每个极具个性化和特色的环境都向历史或神话中的女性形象致敬：包括艺术家、女神、学者和活动家，并包含一个复杂刺绣的赛跑者、圣杯、器皿和瓷盘。蝴蝶式的形式代表了晚宴上贵宾的女性气质。桌子所在的地板上有另外 999 名女性的名字，她们的名字用金色刻在白色瓷砖上。这件作品最初是一个巡回展览，是在400多名志愿者（主要是女性）的帮助下创作的，他们贡献了针线活和雕塑专业知识，现在可以在布鲁克林博物馆女性主义艺术中心的永久收藏品中找到。
6.杰森·罗德斯(Jason Rhoades 1965-2006)
My Brother / Brancuzi， 1995
从1994年开始，居住在洛杉矶的艺术家杰森·罗德斯开始致力于装置艺术的创作。他的第一个装置作品《瑞典情色與Fiero零件》 (1994) 由纸板、木材和泡沫聚苯乙烯等普通物品组成，全部涂成黄色并组装以参考洛杉矶的地理和文化景观。他的第二部作品，可以说是他最著名的作品之一，《My Brother/Brancuzi》是为1995年惠特尼双年展而创作的。通过将他兄弟的卧室与著名现代主义艺术家康斯坦丁布朗库西的工作室并置，他能够通过平凡的郊区材料向杜尚的现成品遗产致敬。罗兹在他的职业生涯中创作了更多的艺术装置，直到他英年早逝，突破了社会习俗的界限，打破了公共礼仪的潜规则。
7.卡拉·沃克（Kara Walker）
The End of Uncle Tom and the Grand Allegorical Tableau of Eva in Heaven (1995)
艺术家卡拉·沃克（Kara Walker）是当代非裔美国艺术家，她的作品主要探讨种族、性别、xing、暴力和身份地位等。她以其房间大小的黑色剪影静态舞台创作而闻名。
卡拉·沃克现居纽约并且担任哥伦比亚大学艺术系硕士导师。她的装置艺术以其巨大的单色房间大小的剪影而闻名，在她的作品中处理了性别、xing、种族和暴力等主题。她的装置艺术通常伴随着冗长而宏伟的标题，包括《消失：内战的历史浪漫》，因为它讲述了发生在一个年轻黑人和汤姆叔叔之间寓言画面(1995) 并唤起历史绘画纪念重大事件的方式。她的装置可以被认为是历史寓言，展示了奴隶制和种族迫害的身体和xing方面的恐怖，当观众在他们站立的房间的墙壁上播放时，他们实际上将叙事吞没了。沃克对剪影的使用提供了关于她的故事的足够信息，同时仍然不够模糊以进行解释，一种还原形式让人想起她试图揭示的关于美国黑人的刻板印象。
8.多丽丝·萨尔塞多(Doris Salcedo）
Doris Salcedo，Noviembre 6 y 7
我们已经失去了哀悼的能力……我希望我的作品扮演葬礼演说家的角色，尊重这一生。”
——多丽丝·萨尔塞多，2015 年1月
哥伦比亚装置艺术家多丽丝·萨尔塞多 (Doris Salcedo) ，她曾经荣获达拉斯纳什尔雕塑中心 颁发的首届纳什尔雕塑奖（Nasher Prize）。同样她的巨幅作品《Noviembre 6 y 7 (2002) 》以波哥大正义宫的正面作为她的画布，是对M-19游击队围攻宫殿 17 周年的纪念活动，以及政府随后的1985年的反击。萨尔塞多的作品专注于承认和记住暴力死亡，通过哥伦比亚内战伤亡和芝加哥枪支暴力受害者的作品突出了这一主题。她的作品往往规模宏大，迫使她的观众——通常是不知情的路人——回忆这些暴力行为并进行哀悼。
9.托马斯·赫希霍恩（Thomas Hirschhorn）
Thomas Hirschhorn’s In-Between 2015.
“破坏是困难的。这和创造一样困难。”
——安东尼奥·葛兰西（意大利马克思主义理论家）
瑞士艺术家托马斯·赫施霍恩 (Thomas Hirschhorn) 的装置艺术和公共作品从平凡的日常工艺材料中创造出政治声明，因其受到的关注而成为传奇。其本人深受共产主义思想所影响，据他自己的说法，赫施霍恩将自己视为一位“使艺术政治化”的艺术家。
托马斯·赫施霍恩借由大众商品制成的雕塑结构参考了激进理论家的理念，如吉尔·德勒兹和乔治·巴塔耶对资本主义和消费主义的理解。他的作品，比如《葛兰西纪念碑》是纽约市住房管理局位于布朗克斯区的森林房屋中的一个主要公共装置，为他的消费者创造了另一种反乌托邦现实；举起一面镜子，反映日常生活并作出反应。他最近的作品，In-Between (2015) 通过他对世界各地受炸弹破坏地点的研究得出的信息；并且表达了人类对来自多种形式的破坏和暴力的根深蒂固的迷恋：灾难、结构故障、腐败、死亡或战争。
他想就他的工作提出三个问题。 “第一：我的作品能创造出一种新的艺术概念吗？第二：我的作品能建立一个‘批判的本身’吗？第三：我的作品能暗示一个‘非排他性的观众’吗？”当然除了各种资金对他的限制，他也获得了无数奖项，比如2001年：瑞士青年艺术奖2001年：马塞尔杜尚奖2003年：罗兰公共空间艺术奖 2004 年：约瑟夫博伊斯奖 巴塞尔 2011 年：库尔特施维特斯奖，汉诺威2018年：梅雷特奥本海姆奖。
10.乌尔斯·费舍尔（Urs Fischer）
Urs Fischer You 2007
乌尔斯·费舍尔（Urs Fischer） 1973年生于瑞士苏黎世，1993年移居到阿姆斯特丹 现工作和生活在柏林，洛杉矶和苏黎世。1996年，他在苏黎世举办了第一个个展之后，他的作品开始在全世界各地知名美术馆和艺术中心展出。
乌尔斯·费舍尔的《你》（2007）通过破坏为以前标准的纽约市画廊空间带来了转变。他毁掉了画廊的混凝土地板，并用土坑填满了空隙，在原先质朴的白墙画廊内形成了一个30 英尺 x 38英尺的陨石坑，深度为 8 英尺。在这种背景下，这种异国情调但极为自然的景观的创造提供了一个令人震惊的意想不到的环境；一种直接的危险感，同时意识到曾经是地板的地方现在是空的。站在作品的边缘，观众站在它的上方，能够欣赏到通过拆除对传统画廊空间既崇拜又拒绝的远景。
