哪个版本倩女幽魂最经典（乱世人情梦幻诗意）
哪个版本倩女幽魂最经典（乱世人情梦幻诗意）新艺城推出这一系列电影共3部，分别为1987年的《倩女幽魂》、1990年的《倩女幽魂2：人间道》以及1991年的《倩女幽魂3：道道道》。《倩女幽魂》也正同那个时代诞生的众多佳片一样，是孕育已久的思想文化意识和美学经验，在新的影视文化环境中的集中式表达。香港电影业空前繁盛的20世纪80年代后期，以邵氏为代表的大型电影厂渐显疲态，更多富有野心的个体，开始谋求独立发展。工商金融界看到这"朝阳产业"之潜力，纷纷投资组建更多的电影公司。《倩女幽魂》的出品公司——"新艺城影业"正是其中重要代表。以新艺城为代表的新兴电影公司，历经不断地"求新求变"，"求惊求趣"，令香港电影的思路和视野得以不断拓宽。
本文作者是时光编辑部撰稿人@武束衣
时间总是最强大的一把刻刀。人们看一些事物的标准，会随着眼界的开阔、科技的进步，甚至仅仅是审美疲劳，便产生翻天覆地的变化。
但有些事物，不会随着时间的推移而变化，光线从正午到夕阳，它就傲然横在那个时代，斜睨着各种版本与脸孔的横纵沟壑。无论意外错过，抑或回首相逢，它还在。
比如87版的电影《倩女幽魂》，历经三十余载，依然梦幻诗意难以替代。而其中对于乱世与人情的描绘，如今看来，还是初见时那般动人。
香港电影业空前繁盛的20世纪80年代后期，以邵氏为代表的大型电影厂渐显疲态，更多富有野心的个体，开始谋求独立发展。
工商金融界看到这"朝阳产业"之潜力，纷纷投资组建更多的电影公司。《倩女幽魂》的出品公司——"新艺城影业"正是其中重要代表。
以新艺城为代表的新兴电影公司，历经不断地"求新求变"，"求惊求趣"，令香港电影的思路和视野得以不断拓宽。
《倩女幽魂》也正同那个时代诞生的众多佳片一样，是孕育已久的思想文化意识和美学经验，在新的影视文化环境中的集中式表达。
新艺城推出这一系列电影共3部，分别为1987年的《倩女幽魂》、1990年的《倩女幽魂2：人间道》以及1991年的《倩女幽魂3：道道道》。
其中最受好评、同时也是影响最大的还是第一部——它不仅在当年拿下280万的高票房，也赢得第二十四届台湾金马奖最佳改编剧本、最佳剪辑、最佳服装设计；第七届香港电影金像奖最佳美术指导、原创音乐等众多奖项。
《聂小倩》当属蒲松龄《聊斋志异》中名篇之一，这段情事时至今日人气不减，也要归功于两岸三地，半个多世纪以来的银幕书写。
1960年李翰祥执导的《倩女幽魂》剧照
从1960年李翰祥导演的《倩女幽魂》，到程小东、徐克的87版，再至97年由徐克监制、陈伟文导演名为《小倩》动画片，以及2011年4月，叶伟信指导的《新倩女幽魂》，香港影人对"小倩"的钟爱可见一斑。
那么，不同时代对于小倩故事的诠释有何不同？大家为什么独独如此推崇87版呢？
蒲氏原版故事中，小倩被塑造为"纯真可怜"与"妖艳危险"的奇妙结合，这在我国民间志怪小说中较常见，实则反映文人内心对女性欲望和理想的双重投射。
与之相对，宁采臣则是个典型平庸却也颇正直的君子，他原有妻室，面对小倩来访能坐怀不乱，由此给对方留下极佳印象。
在高人相助下。一番有惊无险最终与小倩结合，人鬼相恋的离奇故事，纳入平凡生活的正常轨道。
总体说来，"书生倩女"、"皆大欢喜"的故事模型满足了男性读者的内心愿望，灵力、斗法场景为之填上一笔刺激又浪漫的色彩，使得此故事自古以来一直拥有广泛"群众基础"。
1960年李翰祥导演的版本颇具清幽淡雅的古韵，宁采臣更是在蒲氏人设"自重"基础上增加了家国抱负，使其具有凛然不凡的气度。男女之情也只停留在信任与惺惺相惜之上。
而87版从李翰祥的改编思路上取法不少，比如全片将原著故事"腰斩"，小倩进入宁家的后续故事悉数删去，这一做法不仅让剧情紧凑又富于戏剧性，也使得"爱情"主题得以凸显。
又如李版中"水阁"、"檐铃"、"楼梯"以及"只羡鸳鸯不羡仙"的情诗，作为十分具有艺术感和抒情性的文化意象，徐、程在87版中都予以保留。
徐克的"乱世情结"，在片中表达得很是畅透：这一版不仅鬼界乱，人界也乱，氛围可谓是古今交混、亦庄亦谐、浪漫诡谲。
全片之气从"文"转"武"，不仅是因为加入了大量武打和神怪斗法，更在于近乎狂欢式的"释放"中，两代创作者的思索碰撞出了新火花。
宁采臣和燕赤霞似乎成为入世出世的两种象征，平衡其中的，便是小倩这楚楚可怜却又令人欲念丛生的女子。
87版真正动人之处，在于"放中有收"。
即两人明知将离，却分秒必争地一起写诗的瞬间：在叶倩文演唱的插曲《黎明不要来》映衬下，曾经肆意的情感宣泄，转为此刻亟欲静止时间却不能的悲哀，更使悲剧力量得以强化、深入人心。
香港电影黄金时代，制作团队的用心自不必多说，徐、程同时也为适应观众的观影趣味，更重视感官娱乐和视觉刺激。
王祖贤、张国荣本身出众的演技和自带的"明星效应"，录像带、影碟等多媒介的传播，以及一众衍生系列的拍摄制作，更使得其迅速拥有极广的市场并成为一代人心中的经典。
似乎很难为《倩女幽魂》贴上单一类型的标签：说它是古装剧，其中的穿越感台词比比皆是。
说它是武侠片，可片中貌似没有江湖门派，那位武艺高强的燕赤霞与其说是行侠仗义在兰若寺抓妖，不如说是为了离人世远一点。
说它是爱情片，可男女主人公之间真正的对话其实不超过30句。
说它是恐怖片，然而细想想，那些使人略有不适的惊悚镜头，也并不真为吓唬观众而存在，充其量就是超出常理的恶趣味。
更有意思的是，徐、程似乎有意在消解传统鬼怪片中的恐怖氛围，较突出的技巧便是将"惊悚"与"喜剧"交融混杂。
比如兰若寺大战：先是姥姥用那难以想象的长舌包围，予观众强烈视觉刺激；燕赤霞现身，却与姥姥胡搅蛮缠斗嘴，这种幽默效果使得之前的恐怖感渐得淡化；紧接着燕赤霞与舌头激战，看得一身鸡皮疙瘩。
在观众情绪到达最为紧张的一瞬，即燕赤霞为舌头所缠处境极度危险的情况时，导演又恶作剧般地让采臣"帮倒忙"，误将针刺到了燕赤霞的屁股上，从而再度引人捧腹。
这短短几分钟的"交手"中，观众像是乘过山车一般忽上忽下，创作者匠心便在于此。
他们回避了常规视觉刺激导致体验过于单一，而使观众疲劳麻木的弊端，利用荒诞的"笑"来调节鬼怪的"怖"，从而在把控节奏同时满足多层次的情绪体验。
观众不仅能长时间将精力集中于对抗剧情，更会对这种"杂糅风"怀有深刻印象。
而除了类型上的杂糅，片中出场人物亦丰满复杂。
宁采臣不再是简单至"君子"二字便可概括，他身上充满了矛盾：个体与社会、人与鬼、爱与死亡……以及对剧情发展产生了重要影响的，性格中"懦弱与勇敢"的矛盾。
同样，此间的小倩一面是"妖物"，她行为不检、作恶害人，一面她又有着面临爱情时情深坚贞并勇于献身的良善本质。
燕赤霞身上更是带有巨大的矛盾性，"人的世界太复杂，难分是非；跟鬼神在一起，黑白分明，反而简单。诸多文化和思想的内容元素拼贴不显得多余，反显出徐克的品牌感。
午马饰演的燕赤霞身上带有巨大的矛盾性
在如今市场大谈尊重"类型"时，优秀作品会证明一部商业片是否迎合了尽可能多的方向并不重要。重要的是一口气看下来，是否觉得它真的好看。
《倩女幽魂》妙处恰在于它众多类型元素的"有而不尽是，乱而求其真"。将众多丰富元素细致连缀又做到浑然天成，说难也不难，关键是要在编导的安排下，无比自信地一一出场。
打斗，情色，悬疑，喜剧，重口味，烟花般绽放后，也依然有动人的情绪，有爽利的恩义，嬉笑怒骂全不顾，要留喧嚣在人间。
2011年，《倩女幽魂》的修复版重映，几十年前的奇观画面稍有明亮，但观众在影院更深的体验是：特效虽"粗"却绝不"陋"。
本来这是程小东第一次导演这种类型的动作戏份，拍摄时间在冬天，环境非常艰苦，那些复杂镜头，经常要NG几十次才有满意的结果。
创作团队不是浮于表面"为特技而特技"，而是秉着对娱乐"负责任"的态度。
一方面，除了挥宝剑加了点《如来神掌》时代发明出来的后期光效，其余全是实景制作。
巨大的舌头、灵活的树枝，饥饿的干尸，满天飞的人头，这些道具实实在在跟演员捆绑撞击在一处。
整个班底会努力完成要求，会费尽心思去配合，而不是如今演员心知有了后期CG，只能摆出各种姿势做"抠像级"的表演。
在叶伟信版《倩女幽魂》中，惠英红的姥姥本该有更大发挥，却为了配合特效，反复用一种张牙舞爪表情说台词，导致角色虚得发慌。
另一方面，拍摄《倩女幽魂》时，团队使用模型、光学手段已到熟练圆融的程度，所以特技不仅满足视觉冲击，更要营造出符合电影追求的美学效果。
如小倩的武器"水袖"，就非常符合她本人曼妙飘渺的设定，在与姥姥舌头相斗一场，水袖丝带其实就成了小倩本人的分身，其拼劲气力守护采臣，柔韧如丝的情意让人为之动容。
影片服装设计陈顾方、艺术指导奚仲文都是顶尖的专业人才。
《倩女幽魂》中人物服饰和造型不光借鉴传统服装发饰，更融入潮流元素，使得衣饰在满足基本审美外也延续了整体的"杂糅风"。
以小倩衣饰为例，它主要参考了我国传统仙女汉式女服造型，配合唐代发髻式样，尤其频繁用白色披帛、水袖营造飘渺梦幻感。
因而小倩每次出场时虽媚却不野，雾绡轻裾之间带着几分脱俗的清雅。
"乱入"的流行元素，比如不对称设计、镂空、皮草等等模糊了时空，两位男主角的打底裤都被安排了极潮的布纹。但从人物特性出发，这些杂而不乱并未干扰电影画面的整体感。
所以，《倩女幽魂》中这种匠心别运的成果，几乎成为一种模板，直接影响了其后此类题材人物的造型。
87版《倩女幽魂》配乐由黄霑和戴乐民两位大师操刀。
开头同名主题曲《倩女幽魂》（《路随人茫茫》）由张国荣演唱，在略带阴气的古乐氛围里，哥哥中低浑厚的嗓音中略带沙哑，将歌中那种 "找痴痴梦幻中心爱，路随人茫茫"的宿命感，传达得淋漓尽致。
此歌在片头配上宁采臣雨中颠沛流离的画面，更是凸显了剧中的"乱世情结"，别有一番沉重滋味。
获得第7届香港电影金像奖最佳电影歌曲的《黎明不要来》，其实本不是为影片所创，但徐克慧眼识珠，将电影情节与歌中意境完美结合，加之叶倩文缠绵悱恻的演绎如诉如泣，竟使此曲如为电影结尾量身打造一般。
"不许红日，教人分开……漆黑中抱着你，莫让朝霞漏进来"，爱恨嗔痴在此刻化为一点贪恋，不仅要跨人鬼殊途，更想以一曲绝唱挽住时间的脚步。
除却两大广为人知的主题曲和插曲，《倩女幽魂》中还有许多配乐的使用颇为扣人心弦。
比如古筝曲《倩》奏于主人公宁采臣初见小倩时，空灵的音色加上缠绵人声哼唱，回旋于夜色与烛火之间，摇摇曳曳，恰如小倩双眸中的柔波。
尤其乐音配以月下水榭一景，采臣踏着旋律行过长长栈桥，见小倩在亭中端坐抚琴，此情此景，莫说采臣痴迷，就连观众也不愿去相信，如此灵幻浪漫画面中的女子是鬼而非仙。
相传弹琴时弦断暗示将遇知音，也不妨理解为琴人合一时内心的强烈悸动，随着小倩琴弦乍断，乐声戛然而止，二人的情缘也就此展开……
第二次采臣去寻小倩时，配乐仍是《倩》，只是这次是在反映小倩的内心状态：一面心怀思念期盼采臣前来，一面是在姥姥逼迫下将行坏事内心的百般不愿的矛盾。
总之，影片当中的配乐使用总是这样恰到好处，即使是同一曲，出现在不同时刻氛围当中，也总能恰切地传达不同情绪，使电影本身变得更加丰富立体、耐人寻味。
据徐克回忆，确定翻拍《倩女幽魂》时，他便决定邀请张国荣。
起初张国荣婉拒，理由是不想穿着怪异的衣服去演怪异的故事，但当徐克将影片的内核讲述后，张很快被说服。
显然，张国荣的精湛演技，成为影片成功不可或缺的一大亮色。
张国荣充分抓住了宁采臣起初性格中的善良单纯甚至笨拙，动作细节将乱世小人物刻画得惟妙惟肖；而在面对"引诱"，他所表现出的"痴"和"模棱两可"也尤为动人。
正是这样一个看似"懦弱"的书生，决定勇闯鬼门关的那一刻坚定的表情，与先前简直判若两人。
据称"哥哥"这个后来一直伴随他的昵称，正是在这部电影中，被小倩，被王祖贤，被剧组所有人反复称呼，而留下来的。
而反过来，王祖贤是主动要求找徐克试镜，而得到角色的。
1984年，身材高挑的王祖贤凭借《今夜湖畔会很冷》在台湾正式步入影坛，巧的是，在处女作中她就扮演了今后与她最有缘的角色--女鬼。
正因这部影片，王祖贤得以被邵氏发掘，正式到香港发展。王祖贤五官尖收内敛，秀气可人。
最特别是那一抹浓眉，这似蹙非蹙的眉，配以上挑的如丝媚眼，让她神色中的哀怨，反而带有一点冷艳。
《倩女幽魂》前，王祖贤的古典美并未被发觉，接拍作品大部分非古装，所以发展也并不顺利。
有了好底子，终是要靠角色成就。"小倩"形象广为认可，也算证明导演眼光独到。
本片中的一众配角自也不俗：午马演的燕赤霞，大侠气派中带一点顽童感，醉酒舞剑放歌一场表演酣畅淋漓。
演员刘兆铭本是专业造诣颇高的芭蕾舞艺术家，但在黄金时代的港片却处处可见其身影。
从《蝶变》中的文弱书生到《射雕英雄传》中的一灯，从《鹿鼎记》中海大富到《笑傲江湖》中岳不群，刘兆铭眯缝起来总深不可测的一双小眼，切换于各个类型角色，而"姥姥"这一反串角色，必然还是最为人称道的形象。
他忽男忽女的嗓音、凌厉狠辣的眼神，配上制作组设计的诡异造型，堪称神笔。
以至于到了90年代，我们都能在剧集《包青天》的《鱼美人》单元中，看到完全照搬这一造型的，依然由男性演员龙隆出演的妖怪姥姥。
监制徐克和导演程小东就似乎不必再更多介绍了。徐、程二人的共同才华和默契，似乎缺一不可。
一直以来，"偏锋独行、求变求新"的徐克，似乎在《倩女幽魂》的这个架空世界找了施展手脚的机会，渗透他对转型期社会发展的敏锐感知和独到思考。
当然，仅有"思考"远远不够。徐克是个在美学世界中要求"精益求精"的人，甚至会被摄影师们戏称为"榨汁机"。
正因这种对影像画面构图、色彩等的精准要求，观众才能在他不落窠臼的奇谲想象里，自由出入于阴森恐怖的鬼蜮、混乱癫狂的人间，以及浪漫的爱情世界。
-END-
